- Vuestro segundo álbum “Cómo Mantener El Recuerdo En Una Llama y No Quemarse” se grabó entre Buenos Aires y Barcelona, dos ciudades muy distintas. ¿Cómo influyó ese salto entre continentes en el sonido final del disco?
Influyó mucho más de lo que imaginábamos al principio. No sólo por una cuestión técnica o logística, sino por todo lo que supone vivir y crear entre dos ciudades con energías tan diferentes. Buenos Aires tiene una intensidad muy particular, una forma de vivir la música muy visceral, mientras que Barcelona nos aportó cierta distancia y perspectiva. El disco terminó absorbiendo esas dos maneras de entender las canciones: por un lado la urgencia y la emoción, y por otro una búsqueda más detallista en los arreglos y la producción. Sin proponérnoslo, el álbum terminó reflejando ese viaje constante entre dos lugares que forman parte de nuestra identidad.
Además, la propia distancia hizo que muchas decisiones se tomaran de una forma diferente a como lo habíamos hecho en el pasado. Hubo canciones que crecieron a través de intercambios de ideas, maquetas y conversaciones. Eso nos obligó a ser más reflexivos con cada arreglo y a confiar más en las canciones. Mirando el resultado final, creemos que esa mezcla de ciudades también es una mezcla de estados de ánimo que atraviesa todo el disco.
- El grupo ha pasado de ser trío a cuarteto con la incorporación de Fede Pérez en la guitarra. ¿Cómo ha cambiado la dinámica creativa y en directo desde que sois cuatro?
La incorporación de Fede fue muy natural porque ya compartíamos una forma parecida de entender la música. Como cuarteto ganamos profundidad en los arreglos y más posibilidades a la hora de construir las canciones. Antes muchas decisiones estaban condicionadas por las limitaciones de ser tres; ahora podemos permitirnos más capas, más diálogos entre guitarras y una mayor riqueza sonora. En directo también se nota muchísimo: el sonido es más sólido y las canciones tienen más fuerza sin perder espontaneidad.
También cambió la dinámica humana dentro del grupo. Cuando una banda suma un integrante no sólo incorpora un músico, sino una nueva sensibilidad. Fede aportó ideas, influencias y una forma de tocar que terminó enriqueciendo las canciones sin alterar la esencia de Sacramentos. Esa combinación entre continuidad y renovación es algo que creemos que se percibe tanto en el disco como sobre el escenario.
- Vuestras influencias van desde Buzzcocks y The Clash hasta The Smiths y Virus. ¿Cómo mezcláis referencias tan diversas sin perder vuestra propia identidad como banda?
Nunca nos sentamos a pensar en cómo combinar influencias. Más bien ocurre de forma natural porque todos llegamos a la banda con gustos diferentes y eso termina apareciendo en las canciones. Nos gusta la energía del punk, las melodías del pop, las guitarras de la new wave y cierta sensibilidad melancólica que también está presente en muchas bandas argentinas. La identidad surge precisamente de esa mezcla. Cuando una canción pasa por el filtro de los cuatro y de nuestra propia experiencia, deja de parecerse demasiado a cualquier referente concreto y empieza a sonar a nosotros.
También creemos que la identidad de una banda se construye con el tiempo. Después de años tocando juntos hay ciertas decisiones melódicas, ciertos sonidos de guitarra o formas de escribir letras que aparecen de manera casi inconsciente (por Flavio). Las influencias son importantes porque nos marcaron como oyentes, pero al final lo que define a una banda son las canciones que escribe y la forma particular en la que mira el mundo.
“Nos gusta la energía del punk, las melodías del pop, las guitarras de la new wave y cierta sensibilidad melancólica.”
- El Wurlitzer es una sala con mucho peso en la escena indie madrileña. ¿Qué significa para vosotros tocar allí, viniendo de Barcelona?
Es una alegría enorme. La Wurlitzer es una sala con mucha historia y por la que han pasado infinidad de bandas que admiramos. Para nosotros representa una oportunidad de presentar nuestras canciones en un espacio muy ligado a la música en directo y a la escena independiente. Además, Madrid siempre ha sido una ciudad importante para el grupo y volver con un disco nuevo bajo el brazo hace que la fecha tenga un significado especial.
Cada concierto fuera de casa supone un desafío y una oportunidad al mismo tiempo. Nos gusta mucho la idea de encontrarnos con público nuevo y de poner a prueba las canciones en contextos distintos. La Wurlitzer tiene fama de ser una sala cercana, donde la energía circula muy rápido entre la banda y la gente, y eso es algo que nos motivó especialmente de cara a esta presentación.
- Habéis conseguido un sonido que la crítica define como genuinamente propio partiendo del punk rock y la new wave clásica. ¿Cuál es vuestro proceso para componer canciones que suenen a vosotros y no a una copia de vuestros referentes?
Creemos que la clave está en no intentar sonar como nadie. Las influencias están ahí porque forman parte de lo que escuchamos desde hace años, pero cuando componemos nos interesa más perseguir una emoción o una idea que reproducir un estilo concreto. Normalmente las canciones nacen de una melodía, una frase musical o una progresión sencilla, y después las vamos transformando entre todos. Muchas veces el resultado final acaba muy lejos del punto de partida. Supongo que nuestra identidad aparece en ese proceso colectivo y en la manera que tenemos de contar las cosas, más que en una decisión consciente de sonar de una forma determinada.
También intentamos ser honestos con lo que nos pasa y con el momento vital en el que estamos. Las canciones hablan de recuerdos, cambios, amistades, pérdidas y de todo aquello que atraviesa nuestras vidas. Ahí es donde encontramos una voz propia. Al final, aunque todos compartamos influencias parecidas, nadie puede contar exactamente las mismas historias ni hacerlo desde el mismo lugar.
