Listening to a new album for the first time is one of my favorite perks of being a human being. It’s like watching fireworks for the first time as a kid. Sure, there might be a sensory overwhelm, and a tiny hint of uncertainty, but it usually ends with an awe that gets etched in your brain and stays with you for a while. This is especially true when you get to hear a record early: you realize that as soon as you press play, you’ll be stepping into a world few others have visited.
Escuchar un disco nuevo por primera vez es uno de mis mayores privilegios como ser humano. Es como ver los fuegos artificiales por primera vez. Claro, puede haber un exceso sensorial, un pequeño toque de incertidumbre, pero normalmente termina con un asombro que se queda grabado en tu cerebro y te acompaña un buen rato. Esto es especialmente cierto cuando tienes la suerte de escuchar un disco antes de su lanzamiento: sabes que en cuanto pulses “play” vas a entrar en un mundo que pocos han visitado.
Resurfaced, the debut album from Essen, Germany’s Aeon Temple, is one of those worlds: familiar if you’ve spent time with stoner, doom, or post-metal variants, but with its own specific landscape. Set to arrive officially in January, it’s the band’s first new music since their 2016 EP, and it carries the weight, patience, and lived-in feel of a decade that hasn’t exactly been gentle on anyone.
Resurfaced, el álbum debut de Aeon Temple, desde Essen (Alemania), es uno de esos mundos: familiar si has pasado tiempo con variantes de stoner, doom o post-metal, pero con un paisaje propio, muy definido. Saldrá oficialmente en enero y supone la primera música nueva de la banda desde su EP de 2016. Se percibe en él el peso, la paciencia y el aire vivido de una década que no ha sido precisamente amable con nadie.
The opening track, “Grapes and Wine,” immediately tips its hat to a Messa-style solemnity with its liturgical aura and choir-like poise. It gives you voices that don’t need to strain for effect; they hold their ground and let the doom-leaning peaks speak for themselves. When the post-rock framework kicks in, it does so without the usual theatrics, and the abrupt ending sounds like the band’s way of saying: ‘don’t get comfortable yet’.
El primer tema, “Grapes and Wine”, hace un guiño inmediato a la solemnidad de Messa con su aura litúrgica y su porte casi coral. Ofrece voces que no necesitan esforzarse para impactar; se mantienen firmes y dejan que los picos inclinados al doom hablen por sí mismos. Cuando entra la base post-rock, lo hace sin teatralidad, y el final abrupto parece decirte: ‘todavía no te acomodes’.
“Children of Dirt” shifts gears into more metallic terrain. It’s not my favorite track on the album, but it does exactly what it should: it wakes you up (mosh-inducing, for sure) and hands you your war paint as the beating drums make it blatantly clear that what’s about to come next is worth marching toward. And honestly, they’re right, because the next stretch is where Resurfaced finds its teeth.
“Children of Dirt” cambia de marcha hacia terrenos más metaleros. No es mi tema favorito del disco, pero hace exactamente lo que debe: te despierta (inducirá a moshear, sin duda) y te pone en guardia, mientras la batería deja claro que lo que sigue no es ninguna broma, porque las siguientes pistas de Resurfaced son las que muerden de verdad.
“Tireless Machine,” for me, is the centerpiece (and not just because it’s at the equator of the five-track album). Ten minutes that start dreamy and slyly morph into something almost ritualistic. The drumming is downright surgical, pounding a rhythm into your skull with the efficiency of someone hammering a nail into wood. It’s the kind of lobotomy I never realized I needed. The screaming harmonies feel urgent but never melodramatic, even if you’re not into “angst-filled rock”. The whole thing takes on a creeping ambience that reminds me, in flashes, of the second half of 1000mods’ “So Many Days”… crossed with a chainsaw.
Then it slides into a psychedelic drift that will almost certainly be a high point in their live set. And yet, it’s not drawn-out. It takes a minute to climax, but not long enough so that you’re thinking about your grocery list while you’re getting there. And then…. those drums at the end! Fireworks! The kind of release you love even more because you weren’t ready for it to hit that hard.
Para mí, “Tireless Machine” es la pieza central del álbum (y no solo porque se sitúe en el medio del EP). Diez minutos que empiezan oníricos y se transforman, con sigilo, en algo casi ritual. La batería es quirúrgica, martilleando un ritmo en tu cráneo con la eficiencia de alguien clavando un clavo en madera. Es el tipo de lobotomía que nunca supe que necesitaba. Las armonías gritadas transmiten urgencia pero nunca resultan melodramáticas, aunque no seas fan del “rock lleno de angustia”. Todo adquiere una atmósfera creciente que, por momentos, me recuerda a la segunda mitad de “So Many Days” de 1000mods… cruzada con una motosierra.
Después se desliza hacia un viaje psicodélico que casi garantizo que será uno de los puntos álgidos de su directo. Y, aun así, no se alarga innecesariamente. Tardas un poco en llegar al clímax, pero no tanto como para empezar a pensar en la lista de la compra mientras lo esperas. Y luego… ¡esa batería al final! ¡Fuegos artificiales! Ese tipo de liberación que amas aún más porque no estabas preparada para que golpeara tan fuerte.
The fourth track, “Blumulu” takes an unexpected left turn: folksy on the surface, but quickly grows into one of the album’s most revealing performances. When the instrumentation thins out, the vocals shine, becoming almost conversational in phrasing: precise, intentional, unhurried. And again, the trio (yes, it’s hard to believe there are only three of them!) shows its strength. No guitar-hero doodling; no one is showboating. The pedals create the atmosphere, and the rhythm section seems to have made it their personal mission to stick the ending of every song like it’s Simone Biles at the Olympics.
El cuarto tema, “Blumulu”, toma un giro inesperado: folclórico en la superficie, pero rápidamente convirtiéndose en una de las interpretaciones más reveladoras del álbum. Cuando la instrumentación se despeja, las voces brillan, casi conversacionales en su fraseo: precisas, intencionadas, sin prisa. Y otra vez, el trío (sí, cuesta creer que sean solo tres) demuestra su fuerza. Nada de exhibicionismo rollo guitar-hero; nadie hace alarde. Los pedales crean la atmósfera y la sección rítmica parece haberse decidido rematar cada tema clavando el aterrizaje como unos gimnastas olímpicos.
By the time you reach “Golden Veils,” the album’s eleven-minute closer, you discover that Aeon Temple love to make you wait for it. It begins with a Brant Bjork-adjacent groove – loose and sexy on the toms and ride – before the band drop-kicks you into what I’ve now decided should be coined the ‘Aeon Temple Throwdown™’. Not full-fledged this time since it’s short-lived before the vocals go back to weaving nostalgia into the groove, the dynamics shifting under your feet with slow reveals and suspended crescendos. And then? The heavy rage hits and the ending lands with the force of that looming, bouncing boulder trapped at the end of the tunnel, just in time before crushing Indiana Jones.
Aeon Temple finishes off all their tracks strong, so if you’re wondering how they finish an entire album even stronger, well, you’ll just have to listen to find out.
Al llegar a “Golden Veils”, el cierre de once minutos, te das cuenta que a Aeon Temple les encanta hacerse de rogar. Comienza con un groove muy Brant Bjork – suelto y sexy en toms y ride – antes de lanzarte de lleno al que ya he decidido llamar el ‘Aeon Temple Throwdown™’. Esta vez no es definitivo, porque dura poco antes de que las voces regresen tejiendo nostalgia en el groove, mientras las dinámicas cambian bajo tus pies con revelaciones lentas y crescendos suspendidos. Y luego… la rabia golpea, y el final aterriza con la fuerza de esa enorme bola que, justo al final del túnel, queda atrapada a tiempo antes de aplastar a Indiana Jones.
Aeon Temple remata todos sus temas con fuerza, así que si te preguntas cómo consiguen cerrar un disco entero aún más potente, tendrás que escucharlo para descubrirlo.
EP AEON TEMPLE (2016):
Musically, Claus (vocals, guitar), Filzi (bass) and Ruhrbert (drums), lean into modal, minor-colored choices that give everything a melancholic tint. The bass acts as the glue – heavy, solid, yet never flashy. The cymbal washes are tasteful, and atmosphere always wins over technicality. If you’re looking for shred, look elsewhere; if you’re looking for a trio that understands pacing, tension and the emotional architecture of heavy music, Aeon Temple have got you covered.
Musicalmente, Claus (guitarra, voces), Filzi (bajo) y Ruhrbert (batería) se apoyan en decisiones modales y de tonalidades menores que tiñen todo de melancolía. El bajo actúa como el pegamento: pesado, sólido, nunca demasiado llamativo. Las cortinas de platillos son delicadas, y la atmósfera siempre prima sobre la técnica. Si buscas virtuosismo extremo, mira hacia otro lado; si buscas un trío que entiende el tempo, la tensión y la arquitectura emocional de la música pesada, Aeon Temple es tu banda.
Is it a perfect album? No. If post-rock makes your eyes glaze, “Grapes and Wine” might test your patience at first. And “Children of Dirt,” for all its stomping charm, feels like it’s there to serve the album rather than steal the show. But that’s the thing: this is an album album. One that knows its identity and doesn’t care about being cut into singles for the algorithms.
¿Es un álbum perfecto? No. Si el post-rock te aburre, “Grapes and Wine” puede poner a prueba tu paciencia al principio. Y “Children of Dirt”, con todo su encanto y poder, está ahí para servir al disco, no para robarse el protagonismo. Pero eso es precisamente lo que define a este álbum: conoce su ritmo y no le importa ser diseccionado en singles para los algoritmos.
Resurfaced will be self-released on January 30, 2026, digitally and on vinyl. This album isn’t about flash or technical exhibitionism. It’s post-metal, desert-cinematic, doom-leaning, with flashes of other influences weaving through. What makes it stick is how the band lets atmosphere and mood dictate every choice. Every riff, every beat, every silence feels deliberate, and by the end, you realize that not only have you entered Aeon Temple’s world, but you’ve been guided through it… and you won’t want to leave any time soon.
