Pocos nombres encierran una imagen tan poderosa como el de estos dos austriacos empeñados en tender un puente entre el abismo y el cielo. Harakiri for the Sky no es solo un proyecto de black metal atmosférico; es la banda sonora de ese instante en el que decides lanzarte al vacío con la secreta esperanza de salir volando.
Desde aquel lejano Aokigahara que los consolidó como referentes del género, la banda de Matthias (M.S.) y Michael (JJ) no ha hecho más que profundizar en su particular dualidad: la agresividad del black metal más crudo abrazada a la sensibilidad melódica del post-rock y la introspección más nihilista.
Con una década de trayectoria a sus espaldas y un puñado de discos esenciales (el reciente Scorched Earth es la última prueba de fuego), la criatura nacida al abrigo de In Flames y Sigur Rós ha terminado por construir un universo propio donde la desesperación suena, paradójicamente, hermosa.
En vísperas de su gira por España, charlamos con ellos sobre los bosques suicidas de Japón, la sombra de Utøya, la familia que han formado con bandas como Groza y ese instante mágico en el que unos niños islandeses salieron corriendo hacia un acantilado para convertir el horror en vuelo.
Abróchense los cinturones: la caída libre acaba de empezar.
ENTREVISTA A HARAKIRI FOR THE SKY
Tengo entendido que vuestros orígenes estuvieron marcados por la influencia del death metal y, más concretamente, por la banda In Flames. ¿Es cierto?
Hola, gracias por la entrevista. En general diría que sí, pero sobre todo es Matthias quien está influido por el sonido de los primeros discos de In Flames. A día de hoy puedo decir que casi siempre que salimos juntos o montamos una fiesta, al menos unas cuantas canciones de In Flames acaban colándose en su playlist. Algunas influencias cambian, pero esta le acompaña desde finales de su infancia y sigue ahí.
¿Cómo se produjo la transición hacia atmósferas nihilistas, sombrías y depresivas?
Las sensaciones que siempre han sido tan especiales y familiares para nosotros se reflejan en las letras y en el sonido de la banda. Tanto el black metal, con su atmósfera nihilista y oscura, como el post-rock, han sido influencias fundamentales. Las guitarras limpias, como bien saben nuestros fans, son esenciales para Harakiri for the Sky, al igual que el sonido áspero del black metal. Esa combinación es lo que construye verdaderamente nuestra atmósfera.
El segundo álbum del grupo, Aokigahara, es un referente del black metal atmosférico con inteligencia y sensibilidad melódica; un disco que no descarta la presencia del blackgaze y el post-rock, pero mantiene esas influencias en un segundo plano. ¿Cuáles eran las intenciones creativas del grupo en aquel momento (2014) y cómo se llegó al punto actual, en el que esas influencias secundarias han pasado a ser las principales?
Creo que nuestras intenciones en el primer y segundo disco estaban bastante claras. Simplemente intentábamos mezclar black metal con influencias post-rock y voces extremas. Siempre quise tocar en una banda que sonara como If These Trees Could Talk o Caspian, pero con voces agresivas. Hasta donde recuerdo, esa era nuestra idea principal entonces. Luego todo cambió un poco y empezamos a experimentar más. Eso continuó en Maere y ahora también en Scorched Earth, intentando siempre mezclar distintas influencias musicales sin perder nuestras raíces en el black metal.
Aokigahara es el nombre del famoso “bosque del suicidio” a los pies del monte Fuji, en Japón, y puede vincularse al impulso estético de la banda: un torrente imaginativo que canaliza su creación a través de temas tristes y depresivos, de naturaleza autolítica. ¿Podría decirse que ese nombre es una síntesis poética de la banda?
Sí. El significado de Aokigahara y los rumores que lo rodean son una buena metáfora de lo que es Harakiri for the Sky.
¿De dónde surge la idea de bautizar a la banda con un nombre tan lúgubre y, al mismo tiempo, tan fascinantemente surrealista como Harakiri for the Sky?
Por aquel entonces siempre estaba buscando un nombre que encajara, algo que sonara como si, en el punto álgido de una canción de post-rock, alguien saliera corriendo hacia un acantilado y se lanzara al vacío. Esa sensación que tienes cuando escuchas “The Birth and Death of the Day” de Explosions in the Sky y, en mitad del tema, todo estalla. En esa época, redescubrí una banda que me encantaba hacia 2006 o 2007, Sigur Rós, de Islandia, y su canción/vídeo “Glósóli”. En el vídeo se ve a unos niños corriendo directamente hacia un acantilado y, con los instrumentos en las manos, se lanzan al vacío… pero no caen, vuelan. Esa era la sensación que quería describir con el nombre de la banda. Y Harakiri for the Sky fue lo más cerca que estuve de capturar esa idea.
En este segundo álbum, aparece la canción “69 Dead Birds for Utøya”. ¿Tiene relación con la masacre ocurrida en la isla noruega del mismo nombre?
Sí, sin duda. La canción empieza con la frase: “Every time you think the most stupefying incident in this world already happened, there comes one more”, y es una referencia directa a lo que ocurrió en Noruega a manos de Anders Breivik. ¿Hasta qué punto encaja eso con Harakiri for the Sky, con las letras y la música? Harakiri for the Sky no es una banda de crítica social. Mis letras son muy personales y autobiográficas, y trato de mantenerme lo más apolítico posible en mi música y mi arte. Pero en aquel momento sentí realmente la necesidad de escribir una canción que procesara todas las tragedias ocurridas en julio de 2011.
¿Consideras este segundo álbum como el que os consolidó como una banda cambiante, heterogénea y con muchas puertas abiertas de cara al futuro?
Sí, de algún modo todo empezó con ese disco. Giramos mucho, tocamos en muchos sitios extraños y/o geniales fuera de nuestro país. Y, como dices, ese álbum nos abrió muchas puertas. Nunca habíamos pensado en Harakiri for the Sky como una banda a tiempo completo antes de que saliera ese disco, pero la banda fue creciendo y creciendo… y aquí estamos hoy. Continuará.
En vuestro álbum Maere participa Neige (vocalista de Alcest y Amesoeurs, entre otros proyectos), una de las grandes referencias europeas tanto del post-metal como del blackgaze. ¿Cómo surgió la colaboración con él en la canción “Sing for the Damage We’ve Done”?
Conocimos a Neige en el pasado, en festivales y otros conciertos. Y es bastante evidente que compartimos la misma pasión por la música extrema y que nos gustan muchas de las mismas bandas. Así fue como nos hicimos amigos. Por eso nos pareció natural invitarlo a participar en una canción del quinto álbum. Matthias y él hablaban muchísimo por Messenger en aquella época, sobre bandas como Deftones o Portishead. Neige es un tipo muy cercano, muy sencillo, y trabajar con él fue realmente un placer. Para nosotros, Alcest y Amesoeurs son dos bandas que definieron el sonido del post-black metal y que escribieron algunos de los discos más determinantes del género. Siguen siendo válidos y únicos.
Siguiendo con este álbum de 2021, me gustaría destacar las letras, siempre presentes, de Michael V. Wahntraum (JJ), que además participa como letrista en el álbum Nadir de la banda de black metal Groza. La traducción al castellano de la palabra mære remite a un espectro mitológico asociado a las pesadillas. ¿Reflejan las letras de este disco experiencias biográficas de los miembros del grupo?
Sí, totalmente. Escribo sobre mis propias pesadillas. La mayoría de ellas fueron reales.
En el álbum Nadir, publicado en 2024 por la banda de black metal Groza, tanto M.S. como JJ participan en la canción “Daffodils”. ¿Cómo es vuestra relación con estos contemporáneos vuestros?
Conocí a Patrick hace unos ocho años, cuando ficharon por AOP Records. Nos hicimos amigos muy rápido y así fui conociendo al resto de Groza. Desde entonces, al menos Patrick y yo intentamos pasar todo el tiempo posible juntos, tanto de gira como en lo personal. Y aunque suene cursi, muchos de nosotros no somos solo gente de bandas distintas que se conocen, sino amigos de verdad, muy cercanos. Lo mismo ocurre con otras bandas de AOP Records como Ellende, Firtan y muchas más. A veces incluso se siente un poco como una familia, y estoy muy orgulloso de formar parte de ello.
En 2025 llega Scorched Earth, vuestro trabajo más reciente hasta la fecha, que incluye una colaboración con Tim Yatras, vocalista de Austere, pero también la participación de Serena Cherry, cantante de Svalbard, en el tema de cierre “Too Late for the Goodbye”. ¿De dónde surgen estas colaboraciones con Tim y Serena?
Tim siempre fue para mí algo así como un héroe de la infancia o de mi juventud, ya que tocaba en Austere, una de mis mayores influencias cuando estaba creciendo y encontrando mi camino dentro del black metal. Tenerlo como cantante invitado en el disco fue como cumplir un sueño. En cuanto a Svalbard y Serena: los vi en directo por primera vez hacia 2015, en una casa okupa de Viena, cuando todavía no habían publicado su primer álbum. Creo que solo tenían un EP y un split, aunque no lo recuerdo bien. Desde entonces he sido un gran admirador de su voz y de su forma de tocar la guitarra, y sigo siendo un fan enorme de Svalbard. Siento mucho que se hayan separado. Sus últimos discos están entre lo mejor de toda la escena metal. Gracias por participar, chicos.
¿Por qué elegisteis versionar una canción de Radiohead? ¿Por qué puede escucharse en Spotify pero no aparece en formato físico?
Sí aparece en formato físico, solo que no en las ediciones estándar, sino en las limitadas. Cuando hacemos versiones siempre elegimos canciones de géneros que no son metal. Eso lo hace mucho más interesante tanto para nosotros como para quienes nos escuchan. La mayoría de las veces escogemos temas de indie rock, porque es uno de los estilos que más nos gustan, aparte del black metal y el post-rock. Y, al menos para Matthias, Radiohead siempre ha sido una de sus bandas favoritas. A mí también me encanta Radiohead. Lo curioso es que Matthias y yo somos fans de discos distintos del grupo.
Por último, teniendo en cuenta que estaréis de gira por España en febrero, ¿cuáles son vuestras expectativas de cara a estos conciertos?
Como siempre, espero conciertos muy enérgicos y catárticos, y reencontrarme con muchos amigos nuevos y antiguos. España es un gran país, con gente fantástica y una cultura increíble, así que siempre me alegra tener la oportunidad de ir allí, ya sea por conciertos o a nivel personal. Haremos que estos conciertos sean inolvidables. Gracias por la entrevista. Nos vemos pronto.
