Es un privilegio poco común que te concedan acceso anticipado a una obra completa, sin filtros ni cortes: no un tráiler de 30 segundos con efectos vistosos, sino el conjunto íntegro. En una era dominada por los singles y los pre-saves, ese tipo de confianza sigue sintiéndose casi sagrada. Eso fue exactamente lo que me ofreció el trío afincado en Atenas, HYPNOTIC NAUSEA, al ofrecerme una primera escucha de su próximo álbum, The Age of Nothing.
It’s a rare privilege to be granted early access to a full body of work, unfiltered and uncut —not a 30-second teaser with flashy graphics. That kind of trust still feels sacred in an age of singles and pre-saves. I was given exactly that when the Athens-based trio Hypnotic Nausea offered me a first listen of their forthcoming album, The Age of Nothing.
No es la primera vez que hablo de esta banda. La escena rock griega lleva tiempo en plena efervescencia, y hace un par de años presenté a George (guitarra, voz), Monkey (bajo, voz, sintetizador) y Nikos (batería, samples) como parte de los “nuevos dioses y diosas griegos”, especialmente en el panorama underground.
This isn’t the first time I’ve talked about this band. The Greek rock scene has been flourishing for quite some time now and a couple years ago I featured George (guitar, vocals), Monkey (bass, vocals, synthesizer) and Nikos (drums, samples) as some of the “New Greek Gods and Goddessess”, especially in the underground rock scene.
Con dos discos conceptuales ya a sus espaldas (en 2015 y 2019), a Hypnotic Nausea se les ha encasillado en casi todos los géneros imaginables: experimental, metal, ambient, electrónica, post-rock, progresivo, psicodélico… Y lo cierto es que, en algún momento u otro de los 45 minutos de su nuevo trabajo, todos esos calificativos resultan acertados.
Having released two other concept albums in 2015 and 2019, Hypnotic Nausea have been tagged with nearly every genre under the sun—experimental, metal, ambient, electronic, post-rock, progressive, psychedelic… Truth be told, all of these descriptors are apt at one point or another during their upcoming album’s 45-minute arc.
Grabado en los estudios Soundflakes Recording, The Age of Nothing presume de una producción sobresaliente y, aunque su identidad sonora está en constante evolución, subyace una arquitectura interna de motivos recurrentes, transiciones calculadas y una inercia narrativa constante. La atención al detalle auditivo es evidente. Las guitarras texturizadas se entrelazan con atmósferas electrónicas, sostenidas por una base rítmica que aporta groove y empuje sin saturar la mezcla. Incluso sin imágenes, el álbum se experimenta como una vivencia audiovisual.
Recorded at Soundflakes Recording Studios, The Age of Nothing boasts impressive production and although its sonic identity is constantly in flux, there lies an underlying architecture of recurring motifs, transitions and narrative momentum throughout. Attention has clearly been paid to sonic detail. Textured guitar lines weave through electronic atmospheres, anchored by a rhythm section that brings groove and momentum without overpowering the mix. Even without visuals, the album feels like an audiovisual experience.
Tomemos como ejemplo el primer tema, “Sunrise”. Comienza con un zumbido mecánico, casi disonante, como si alguien estuviera manipulando un receptor o afinando una radio cósmica. Poco a poco, se funde en algo más cálido, apacible, casi celestial. Es ambient, sí, pero también cinematográfico. Como una pieza que podrías escuchar en una sala IMAX, mientras ves un documental con banda sonora de un grupo igualmente amante de los sintetizadores y la psicodelia. Si, como dicen los científicos, el Sol es ensordecedor, esto podría ser su monólogo amortiguado antes de irrumpir plenamente en el éter. Aunque quizás un pelín largo, cumple con su función: prepara el terreno para lo que vendrá después, cuando el caos cede paso a la claridad.
Take the opening track, “Sunrise”. It begins with mechanical, almost dissonant static – like someone fiddling with a receiver or fine-tuning a cosmic radio. Gradually, it melts into something calmer, warmer, more celestial. It’s ambient, yes, but cinematic too. Like something you might hear in an IMAX theatre, as you’re watching a documentary scored by a band that’s equally fond of synths and psychedelia. If the sun really is, as scientists suggest, deafeningly loud, this could be its muffled monologue before fully breaking through the ether. While arguably a tad long, it sets the stage for what follows: chaos giving way to clarity.
A medida que el álbum avanza, empiezan a emerger ideas musicales recurrentes. “Damaged Satellites”, el segundo corte y tema adelanto, es todo un viaje en sí mismo, fusionando al menos cuatro cambios tonales y rítmicos distintos en una sola pieza. El trío griego coquetea con un sonido que recuerda al metal más primitivo, pero sin la velocidad ni la oscuridad extremas. Hay una energía misteriosa, como quien camina por una calle desconocida con paso firme, pese a la atmósfera a veces amenazante. Y aunque se emplean locuciones como transiciones entre algunas secciones, uno se pregunta si su inclusión aporta o resta fuerza al conjunto. Muchas veces, la música habla por sí sola.
As the album unfolds, recurring musical ideas begin to surface. “Damaged Satellites”, the second track and teaser, is a journey in itself, fusing at least four separate tonal and rhythmic shifts into one single song. The Greek trio flirts with what reminds me of early metal, but without the speed or anything too grim. There’s a mysterious energy here, like walking down an unknown street with steady purpose, despite the often ominous atmosphere. And though voiceovers are used as transitions between some sections, one might wonder whether their inclusion adds to or detracts from the album’s power. The music alone often says enough.
“The Mechanism” se adentra en terrenos de post-emo-metal. Es más denso, tanto en su tono como en su carga lírica, y es la primera canción no instrumental del disco. Imagina a unos Disturbed menos estruendosos, o a Five Finger Death Punch con un sedante. Hacia el final se cuelan armonías preciosas, justo antes de que las voces vuelvan a aparecer.
“The Mechanism” leans into post-emo-metal territory. It’s heavier, both in tone and lyrical weight, as it’s the first non-instrumental track on the record. Think a less bombastic Disturbed, or Five Finger Death Punch on a sedative. Gorgeous harmonies sneak in toward the end before the voiceovers return.
Antes de sumergirnos demasiado en el relato, conviene plantearse: ¿qué define a un álbum conceptual? ¿La coherencia lírica? ¿La continuidad sonora? ¿Un arco argumental definido? ¿Todo lo anterior? Tradicionalmente, discos como The Wall o Abigail de King Diamond cimentaron géneros enteros a través de narrativas meticulosas. Pero otras propuestas más abstractas—como Kid A o Ghosteen—nos recuerdan que la cohesión no siempre necesita una trama explícita.
Before we get too deep into narrative territory, it’s worth asking: What makes a concept album? Is it lyrical coherence? Sonic continuity? A defined character arc or story? All of the above? Traditionally, albums like The Wall or King Diamond’s Abigail defined genres with narrative precision. But more abstract takes—like Kid A or Ghosteen—remind us that cohesion doesn’t always require a plot.
En The Age of Nothing, Hypnotic Nausea parecen buscar un híbrido de las dos cosas. No hay un protagonista claro ni una historia lineal, pero sí un arco evidente: del amanecer al ocaso, se disecciona la condición humana a través del prisma de la tecnología, la resistencia, la libertad y el colapso. Las voces en off y fragmentos líricos hacen referencia a la inteligencia artificial, la despersonalización, la distopía y la disolución del significado. Esto es menos Tommy y más Blade Runner: un álbum conceptual en espíritu más que en estructura.
In The Age of Nothing, Hypnotic Nausea seem to be after a blend of the two. There’s no overt protagonist, no single storyline. But the arc is clear: from sunrise to sunset, the human condition is dissected through the lens of technology, resistance, freedom and collapse. Voiceovers and lyrical fragments reference artificial intelligence, depersonalization, dystopia and the disintegration of meaning. This might be less Tommy and more Blade Runner—a concept album in spirit rather than structure.
Pero sí hay forma. Los interludios (pistas 5 y 7), el uso constante de locuciones (por más divisivo que sea), el reciclaje de riffs y la simetría entre el tema de apertura (“Sunrise”) y el de cierre (“Sunset”) refuerzan la idea de que esto no es simplemente una colección de canciones.
However, there’s form. The interludes (tracks 5 and 7), the consistent use of voiceovers (however polarizing), the cycling of riffs, and the mirrored bookends (“Sunrise” and “Sunset”) all support the idea that this isn’t just a collection of songs.
De hecho, es en “Total Freedom” y “Reality Error” donde la estructura conceptual se vuelve más explícita. Las letras sobre desconexión, pérdida de fe y una sociedad sintética chocan con ritmos fragmentados y estallidos de estática que remiten a pausas publicitarias, como si hubiese un fallo en la señal. El post-metal muta hacia algo más cercano al trance, e incluso a un EDM a lo Avicii, fugaz y emocional.
In fact, “Total Freedom” and “Reality Error” are where the conceptual scaffolding becomes explicit. Lyrics about disconnection, lost faith and a synthetic society hit hard against fragmented rhythms and bursts of static that remind you of commercial breaks in the broadcast, like a glitch in the matrix. Post-metal morphs into something closer to trance, or even fleeting Avicii-esque EDM.
El tema que da título al disco, “The Age of Nothing”, no solo ocupa el ecuador del álbum: parece ser también su punto de inflexión moral. Aquí, la banda reduce todo a su mínima expresión, exponiendo el núcleo filosófico del trabajo: flotamos, más allá de la verdad y de lo humano, hacia una era de vacío. Se trata casi de un sermón posmoderno, pronunciado sobre una percusión suave que transmite algo casi sagrado.
The title track, “The Age of Nothing”, is not just the midpoint of the album; it seems to act as the moral turning point. Here, the band strips things back, laying out the philosophical crux of the record: we are drifting, post-truth and post-human, into an era of emptiness. There’s a kind of postmodern sermon being delivered, over gentle percussion that feels almost sacred.
Por su parte, “Underground Resistance” nos lanza de nuevo al fuego, con riffs pesados, punteos al estilo Schenker y una batería atronadora. Es como si estuviesen disparando contra una nave espacial. Hay tensión, fuego y propulsión. Y, de algún modo, alcanzamos el espacio exterior. El caos se disipa. Miramos atrás. Ya no hay regreso posible.
“Underground Resistance”, meanwhile, launches us back into the fire, a riff-heavy assault with Schenker-style leads and pounding drums. You feel as if the spaceship is being shot at. There’s tension, fire and propulsion. And then, somehow, we reach outer space. The chaos fades. We look back. There’s no going home.
«No se han detectado señales de radio», narra la voz en off en “Fragments of Freedom”. ¿Seguimos buscando una señal? ¿La perdimos por el camino? A medida que los tresillos y el ritmo se intensifican, se percibe una urgencia real, un intento final de restablecer contacto—no solo con algo o alguien ahí fuera, sino quizás con nosotros mismos.
“No radio signals have been detected,” drones the narrator in “Fragments of Freedom”. Are we still looking for a signal? Did we lose it somewhere along the way? As the triplets and rhythm build, there’s a real sense of urgency, a final attempt to reestablish contact—not just with something or someone out there, but maybe with ourselves.
Cuando llegamos al tema de cierre, “Sunset”, sentimos que algo se ha vivido. Es una pista casi de surf rock, con una base de bajo y batería de aire isleño que sugiere que estamos terminando con una interrogación esperanzada más que con un punto final rotundo. Es más ligera y más sombría de lo que uno esperaría. ¿Un recordatorio de que incluso el final puede tener un matiz bromista?
By the time we reach the closer, “Sunset”, there’s a sense that something has been lived through. The track is almost surf rock, with an islandy bass-drum combo that makes it feel like we’re ending on a hopeful question mark rather than a definitive period. It’s both lighter and darker than you expect. A reminder that even the end can be playful?
En un mundo de singles y playlists gobernadas por algoritmos, Hypnotic Nausea han hecho un álbum DE VERDAD. En mi humilde opinión, las locuciones—por más que a veces funcionen—acaban agotando, y hay algún tema que podría dividirse en dos. Pero eso es hilar fino, y solo la opinión de un oyente. The Age of Nothing es ambicioso, bien ejecutado y valiente.
In a world of singles and algorithm-driven playlists, Hypnotic Nausea have made an album. A real one. In my humble opinion, the voiceovers—though sometimes effective—begin to wear thin, and a few tracks seem like they could be cut into separate tracks. But that’s nitpicking and just one listener’s opinion. The Age of Nothing is ambitious, well-executed and brave.
Ya sea por su producción meticulosa, por sus experimentos que rompen géneros, o por su mirada filosófica sobre la tecnología y el desencanto, The Age of Nothing tiene algo que ofrecer. Es un viaje que merece la pena recorrer de principio a fin. Gracias, Hypnotic Nausea, por dejarme viajar con vosotros.
Whether it’s the meticulous production, the genre-bending experiments, or the philosophical scrutiny of technology and disillusionment, The Age of Nothing has something to offer. It’s a trip that’s worth taking all the way through. Thank you, Hypnotic Nausea, for letting me join you on the ride.
Sale HOY, 25 de abril, a través de One Little Victory Records.
Out TODAY, April 25th, on One Little Victory Records
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