Tom McGuire pasó su juventud tocando en bandas de metal. Poco a poco se enamoró del funk y fue rodeándose de un círculo de grandes músicos escoceses. El germen de la banda se fue rodando actuando como músicos callejeros en las calles de Glasgow. Él se ganaba la vida de manera modesta actuando en bares. Su sencillo debut, “Ric Flair”, fue un inesperado gran éxito. Apenas unos meses después, lanzaron su álbum debut con un concierto con entradas agotadas en el QMU de Glasgow, con capacidad para más de 1000 personas. Desde entonces, han teloneado a artistas como George Clinton, se han convertido en una de las bandas favoritas del circuito de festivales escoceses y han realizado extensas giras por el Reino Unido y Europa.
Combinando arreglos exquisitos con composiciones meticulosas y una presencia escénica inigualable, la banda se ha labrado un lugar propio en la escena musical de las islas. Su tercer y último álbum, “A Name For Everything I’ll Ever Be” marcó un nuevo y audaz capítulo. Inspirado por la profunda experiencia de Tom McGuire, vocalista de la banda, en su camino hacia la paternidad, este álbum rebosa emoción pura y un mensaje más profundo y poderoso que cualquier otro que hayan publicado anteriormente.
Sus conciertos se han convertido en leyenda, fomentando una sensación de sanación colectiva, una energía vibrante y una innegable sensación de estar realmente vivos. La banda se esfuerza por transmitir experiencias vitales intensas en sus conciertos, y su dedicación a conectar con el público a un nivel más profundo les ha granjeado la reputación de ser uno de los grupos en directo más emocionantes del momento. Tom McGuire & the Brassholes no son solo una banda: son una fuerza de la naturaleza musical. Podemos comprobarlo en este disco en directo que editaron hace unos meses.
Aprovechando que van a hacer su debut en España dentro del festival enclave de agua de Soria nos pusimos en contacto con Tom para que nos contara cómo ha sido la historia de la banda hasta estos momentos. Así podrán cumplir el sueño que aparecía ya en la canción que abría su primer disco, en el que expresaban su sueño de tocar en Francia (ya lo hicieron) y en España. Teníamos previsto hacer la entrevista por Zoom, pero Tom no estaba seguro de que su acento escocés fuera el mejor para entendernos, así que al final acabamos realizando un extenso cuestionario que contestó amablemente profundizando en cada una de las cuestiones.
Vuestro lema es “Rad fun from Glasgow”, pero si tuvieras que presentar a Tom McGuire & The Brassholes a alguien que nunca los ha escuchado, ¿cómo lo harías? (*rad es un término de jerga de las culturas de surf y skate en los años 80 y 90 que significa impresionante o asombroso)
Somos una banda de funk y soul potente de Glasgow, formada por algunos de los mejores músicos del país, que toca canciones de funk geniales sobre temas importantes con muchísima energía.
Creo que empezaste tocando en bandas de metal, pero terminaste pasando al funk soul porque viste que era un estilo mucho más animado y expansivo, ¿me equivoco?
Sí, he tocado muchos estilos diferentes. Durante un tiempo toqué en buenas bandas de metal. Me encanta ese tipo de música, es visceral de la misma manera que el funk, y mi enfoque para ambos es muy similar. Ambos son reacciones emotivas y viscerales a la simple experiencia de estar vivo. Sí, el funk/soul es más animado y versátil, ¡pero creo que la esencia de ambos estilos es muy similar! Algunas canciones de soul son oscuras y metaleras a más no poder, y algunos ritmos funk son brutales, como los riffs más pesados. Son diferentes maneras de conectar con las mismas emociones.
La banda empezó tocando en las calles de Glasgow durante los Juegos de la Commonwealth y consolidó su sonido en fiestas y bodas. ¿Qué aprendiste en esa época?
Supongo que tocando en la calle me di cuenta por primera vez de que la gente se paraba y prestaba atención a lo que hacíamos. Supongo que ahí surgió nuestra ética de la interpretación que se ha mantenido hasta ahora. Si la gente se detiene a mirar, tienes que mantener su atención, de lo contrario no te darán ni una moneda. Quizás ahí radica la energía que transmito en mis conciertos hoy en día.
Pasasteis de tocar en la calle a llenar locales como el Barrowland Ballroom. ¿Hubo algún momento en el que pensaste: “Tom, esto va en serio”?
Sí, hubo muchos momentos así. Todo lo que nos ha llegado ha sido, en esencia, una enorme sorpresa. Mucho más allá de unas expectativas que, al principio, eran modestas, ¡y siguen siéndolo! En particular, la respuesta a nuestros primeros lanzamientos y nuestras actuaciones en Barrowlands. Cosas que jamás habría imaginado lograr cuando empezamos.
Da la sensación de que nunca sabéis del todo qué va a pasar en el escenario. ¿Cuánto es improvisación y cuánto está cuidadosamente planeado?
Me gusta darme libertad y permitirme hacer cosas espontáneas en el escenario. La banda ya lo sabe y está muy atenta a lo que intento hacer. A veces, estas cosas funcionan bien y se convierten en algo habitual en el repertorio, pero casi siempre surgen de ideas espontáneas que se me ocurren en el momento. Algunas de estas cosas acaban haciéndose virales, como la de lanzar mi guitarra a seis metros de distancia a un miembro del público que esté dispuesto a tocar un solo. A veces, simplemente suceden.
Musicalmente, sois una banda de funk y soul, pero vuestras letras abordan temas como el amor, la ansiedad, la pérdida y la búsqueda de sentido. ¿Por qué os interesa ese contraste entre la música festiva y las letras profundas?
Gracias por notarlo. Porque la música es poderosa por un lado, y las letras lo son por otro. Escribo esas canciones porque siento la necesidad de cantar sobre ellas y es lo que siento con mayor intensidad. Introduzco la profundidad de las letras de forma sutil, como un caballo de Troya en una genial canción de funk. La gente se conecta con la música y luego se da cuenta: “¡Ah, acabo de escuchar unas letras muy profundas!”. Es mi modus operandi desde hace tiempo.
¿Qué te emociona más, ¿ver a la gente bailar o descubrir que alguien se identifica con una letra?
¡Que se identifiquen con una letra, sin duda! Como dije antes, la música y el ritmo son la puerta de entrada a la temática de las canciones. Algunas partes son muy crudas, dolorosas y difíciles de hacer para mí, así que si la gente capta algo de la canción, significa mucho. La gente se me acerca en los conciertos o se pone en contacto conmigo en línea y me cuenta cómo una canción en particular les ha impactado positivamente, y lo aprecio muchísimo. Hay un par de ejemplos de esto en los que pienso casi a diario. Ese es el impacto más valioso que puedo lograr con el arte, como compositor, y me impulsa a seguir trabajando para crear más. Pero al mismo tiempo, si la gente no se fija en la letra, pero está saliendo con alguien, sonriendo y sintiéndose viva, ¡también me alegro mucho!
Tus álbumes muestran influencias de Stevie Wonder, Quincy Jones, James Brown, pero también de Springsteen y Tom Waits. ¿Cómo logras que todas esas referencias suenen como Tom McGuire & The Brassholes?
Supongo que, de una forma u otra, he encontrado mi propio sonido, mi propia personalidad y mi propia voz, como una improbable fusión de todas estas cosas que has mencionado. El ritmo de Wonder, Jones y Brown, pero también la narrativa y la intensidad de Springsteen y Waits, con un toque de metal (muy) oculto por ahí. Pero también es simplemente lo que surge de mí, con esa amplia gama de influencias musicales que lo hacen único.
Hablemos de vuestro último disco. “A Name For Everything I’ll Ever Be” nació de una experiencia muy personal: la paternidad. ¿Cómo cambió eso tu forma de componer?
Cambió mi vida y mi perspectiva sobre lo que es importante. Me dio un montón de temas nuevos sobre los que cantar y una nueva perspectiva sobre lo que solía cantar. Casi todo lo que me hacía infeliz en mi vida anterior desapareció por completo; dejó de importarme casi de inmediato. Siento que lo plasmé en el álbum en su conjunto, pero en particular en la canción “Sick/Well”, la última del disco, que siento como una obra maestra.
En la práctica, ¡también facilitó mucho el proceso de composición! Experimenté menos dudas e inseguridades al hacer este disco que en cualquier otro proyecto. Esto se debe a que mi identidad y autoestima ya no dependen de ser artista o un buen músico/compositor, lo que me deja libre para simplemente crear y disfrutar del proceso. Para la gente creativa: ¡Os recomiendo encarecidamente que os deshagáis de vuestro ego cuanto antes!
Tras conquistar Escocia y haceros con un nombre en el Reino Unido, ¿vuestro objetivo es conquistar Europa?
Hubo un tiempo en que nos propusimos conquistar Europa y estuvimos cerca de lograrlo. Sin embargo, la cruda realidad es que, en el panorama actual, es muy difícil conseguirlo con cualquier banda, y mucho más con una tan grande. Es algo muy volátil y arriesgado y siempre tengo presente que tengo una familia y necesito tomar decisiones responsables. ¡Pero no lo he descartado del todo! Quizás en el próximo ciclo de álbumes lo volvamos a considerar. ¿Qué nos ayudaría, por ejemplo, conseguir un número significativo de seguidores/reproducciones en España? 😉
“Ric Flair” es la canción que os abrió muchas puertas. Incluso llegó a oídos del legendario Ric Flair. Mirando hacia atrás, ¿esperabas que una canción nacida casi de la improvisación se convirtiera en vuestra carta de presentación?
Hubo un tiempo en que pensé que esta canción, tan tonta, eclipsaría el resto de nuestra obra. Eso me resultaba un poco frustrante. Pero ya no. Estoy muy agradecido por el impulso que nos ha brindado y, con mucho gusto, sigo tocándola en vivo. Aunque, al mismo tiempo, me alegra y me enorgullece que otras canciones hayan cobrado mayor importancia y la hayan superado en la historia de la banda. Me alegra que haya tenido su momento de gloria, ¡y me alegra que se retire discretamente si es necesario!
En “Oh Savanna”, hablas de un encuentro real en Nueva Orleans que terminó convirtiéndose en una reflexión sobre los altibajos de la vida y la salud mental. ¿Cómo ves la epidemia de problemas de salud mental en el mundo actual? ¿Qué estamos haciendo mal?
Ojalá tuviera las respuestas. Todo cambia constantemente, sobre todo con la tecnología. Solo puedo hablar de algunas de las cosas con las que he luchado y que he intentado superar. En su mayoría, se trataba de depresión y sentimientos de falta de sentido y futilidad, ¡cosas existenciales clásicas! Creo que componer las canciones me ha ayudado. En parte porque les he incorporado lecciones que he aprendido y que intento no olvidar. Y las recuerdo cada vez que las canto. Es fácil tener una revelación, pero lo difícil es recordarla y ponerla en práctica en el momento justo; requiere esfuerzo.
“4th Floor” está inspirada en la experiencia de la paternidad y en un momento muy delicado de tu vida familiar. ¿Cómo cambia una canción así cuando la interpretas cada noche ante el público? ¿Sigue siendo igual de personal o adquiere un significado diferente gracias a las reacciones de la gente?
Esa canción me resulta muy difícil de cantar porque me trae a la memoria un momento bastante aterrador e incierto. De alguna manera, lo revivo cuando la interpreto y me pasa factura. Pero creo que uno de los roles más importantes de un cantante o artista es plasmar los momentos y emociones más crudos y poderosos de su vida y presentarlos como una obra de arte, con suerte, bella y significativa. Es esperanza, en realidad. Es una canción sobre la que mucha gente se ha puesto en contacto conmigo, diciéndome que les resulta significativa e importante. He compartido muchos abrazos y derramado muchas lágrimas con otros hombres adultos en puestos de venta de merchandising por todo el país. Siempre agradezco mucho que la gente comparta conmigo sus experiencias con mis canciones.
Vuestro último sencillo, “Leaving You Behind”, cuenta con la colaboración de E.M. Kane y es una increíble balada soul ¿Es solo una canción o una nueva dirección en tu carrera?
Diría que con esa canción buscábamos un sonido de los 80/90, ¡pero sí, gracias! ¡No es una nueva dirección consciente! ¡O al menos no lo creo! Simplemente me fascinó ese tipo de canción y quise hacer una. Me adentré en un mundo de fantasía y estudié todas las baladas clásicas de la historia y me di cuenta de que es una forma de composición bastante bien definida, casi una disciplina. Hay una serie de detalles sutiles en cada una de ellas que pasan desapercibidos pero que, en conjunto, crean lo que sin duda es una power ballad.
Volviendo a tu pregunta anterior, en cierto modo, este tipo de baladas son muy típicas del metal, por lo descaradamente grandilocuentes como son. Eso es puro metal. Son geniales y me apetecía hacer una, ¡así que la hice! Hablando en serio, mi próximo paso creativo será un material más tranquilo, basado en solos, que estoy preparando. Después, volveré a un funk más intenso y potente con los metales.
Esta es vuestra primera actuación en España. Debutáis con fuerza, en un festival consolidado ante miles de personas. ¿Qué sabes del público español y cuáles son tus expectativas?
Sé poco del público español, ¡pero tengo muchas ganas de descubrirlo! Hemos tocado en festivales en Suiza y un par de veces en Francia, así que tenemos muchas ganas de ver si los españoles dan la talla. ¡Seguro que no nos decepcionarán!
Por cierto, la primera canción de nuestro primer disco, “Get Out”, que trata sobre empezar una carrera musical, tiene una frase que dice: “Nunca hemos tocado una nota en España ni en Francia”. ¡Cuando toquemos la primera nota en el festival, por fin habremos cumplido ese sueño!
