Una de las noticias de este 2024 es la primera visita a España de los australianos The Teskey Brothers el próximo mes de julio, abriendo su gira europea en Benicasim, en el Festival Internacional de Benicasim (FIB) el 18 de julio, el 19 de julio en Madrid (La Riviera) y Barcelona el 20 de julio en Razzmatazz, presentando canciones de toda su discografía y tercer álbum de estudio de los australianos, «The Winding Way» lanzado el año pasado.
Las australianas Hussy Hicks serán las encargadas de abrir los conciertos de The Teskey Brothers el 19 de julio en La Riviera (Madrid) y el 20 en Razzmatazz (BCN). No quisimos perder la ocasión de entrevistar a una de las mejores bandas del momento para todos nuestros lectores en Dirty Rock de la mano del guitarrista y compositor Sam Teskey (Sam Teskey (izq) y su hermano Josh en la foto de portada).
«No queríamos trabajar con un productor que solo se dedicara a nuestro género porque queríamos agitar un poco las cosas y ver qué más podíamos sacar con alguien que trabajara de una manera diferente. Tampoco queríamos correr el riesgo de estar encasillados»
El hogar, como dice el viejo refrán, es donde está el corazón. La familia y el hogar están en el corazón de «The Winding Way» , el tercer y último álbum de estudio de los hermanos Teskey lanzado el año pasado, un conjunto de grabaciones que parecen haber llegado de otra época. Con diez temas, el álbum es una máquina del tiempo, conexión directa con el pasado, un paso atrás a los Estados Unidos antes de que la televisión fuera en color y cuando todos los discos se imprimieran en vinilo negro con su mezcla de soul de Muscle Shoals y boogie-woogie.
Parece absurdo sugerir que una banda que se formó en 2008 esté disfrutando de un ascenso meteórico, pero en el caso de los Teskey Brothers, tiene un sentido extraño. Pasaron nueve años tocando en bares de Melbourne y fue hasta el lanzamiento de su primer álbum «Half Mile Harvest» en 2018. Su sonido ocupa un espacio bordeado por un lado por las anticuadas baladas sureñas de Muscle Shoals y por el otro por el resurgimiento del blues de finales de los 60. La música de The Teskey Brothers tiene una calidez que no escuchamos con suficiente frecuencia hoy en día, una presencia que permite que la música le hable directamente al alma.
«Creo que cuando estás haciendo un disco, no es esencial ir a donde otros grabaron para obtener una energía específica. Seguramente es un lugar increíble para grabar, pero también necesitas contar tu propia historia»
Fechas de la gira española de The Teskey Brothers 2023:
- 18 julio en Benicasim, FIB
- 19 julio en Madrid, Sala La Riviera
- 20 julio en Barcelona, Razzamatazz
Entrevista a Sam Teskey de The Teskey Brothers:
Primero lanzasteis «Half Mile Harvest» (2018) y luego, un año después, «Run Home Slow» en 2019 (ambos reconocidos por nuestra revista como los mejores álbumes de sus respectivos años). Pasaron 4 años hasta que se lanzó el siguiente álbum de estudio, «The Winding Way» (2023). Hubo algunos cambios en la banda y Eric Dubowsky entró como productor. ¿Qué buscabais con estos cambios y qué diferencias puede esperar el oyente respecto a los anteriores y por qué has tardado tanto en visitar España?
Supongo que un año es muy poco tiempo para lanzar un álbum y casi nos matamos girando con Half Mile Harvest, haciendo un álbum después e intentando mantener el ritmo de la demanda de visitar lugares como España e Italia. Básicamente, pasamos los primeros 10 años de nuestra carrera haciendo Half Mile Harvest y luego, cuando la gente empezó a prestar atención, queríamos seguir el ritmo inmediatamente con otro álbum. Grabamos Run Home Slow en un mes en nuestro estudio en Warrandyte. Fue un proceso muy elaborado. Todo fue muy rápido porque lo grabamos todo en cinta para garantizar el mejor sonido. Es bueno entrar, grabar y salir. Es nuestra forma de grabar.
Después de ese disco, teníamos muchas giras que hacer y mucha demanda. Seguíamos intentando llegar a España, jaja. Y luego pasó lo del COVID y nos hizo parar. Estuvimos aislados durante bastante tiempo y nos pareció un buen momento para hacer algunas cosas por nuestra cuenta. Josh tenía un pequeño proyecto con Ash y yo tenía un pequeño álbum que había preparado. Así que nos tomamos un poco de tiempo mientras estábamos aislados para trabajar en todo eso. Además, nuestros hijos nacieron en esa época. Tengo un hijo mayor que tiene nueve años, pero en esa época, nació nuestro segundo hijo (que ahora tiene dos años) y los dos hijos de Josh nacieron entonces también. Supongo que eso también nos ralentizó un poco. Queríamos centrarnos mucho en estar cerca de nuestras familias.
Así que terminamos con Winding Way justo cuando era posible viajar de nuevo. Al principio, intentamos reprogramar todos los conciertos que tuvimos que cancelar a principios de año, lo cual fue mucho. Luego grabamos este disco con Eric Dubowsky y aprovechamos su entusiasmo. No queríamos trabajar con un productor que solo se dedicara a nuestro género porque queríamos agitar un poco las cosas y ver qué más podíamos sacar con alguien que trabajara de una manera diferente. Tampoco queríamos correr el riesgo de estar encasillados. Creo que su aportación y el resultado fueron realmente fantásticos. A veces resulta difícil alejarnos de las cosas y los sonidos que nos gustan. También terminamos consiguiendo una gran máquina de cintas en Hercules Street Studios. También teníamos una pista MCI 24 para seguir porque la echábamos mucho de menos, lo cual era realmente importante para nosotros. Además, creo que llegó el momento en que tuvimos que vender el antiguo estudio Half Mile Harvest, por lo que fue un momento en el que necesitábamos diversificarnos y probar algo diferente. Siempre habíamos tenido ese estudio, así que era un poco nuestra zona de confort, por lo que era genial grabar en otro lugar. Intentamos grabar en Sydney, lo cual fue un desafío para nosotros y nuestras familias, pero lo hicimos funcionar, aunque tardamos un poco más de tiempo de lo que esperábamos. Entonces, cuatro años después, terminamos nuestro nuevo disco. Y sí, cada disco cobra su propia vida. En cierto modo, hace su propio viaje y este fue largo. [risas] Siento que el próximo va a ser un poco más fácil porque este fue bastante intenso.
«El sonido de los discos de Stax tiene mucha más sustancia. Realmente puedes sentir la energía de la banda detrás del sonido y la música y casi puedes imaginarte a todos en la sala cuando escuchas la mayoría de los discos de Stax. Con Motown, encuentro un poco más el mundo pop sobreproducido de la música soul. No es que esté sobreproducido, es fantástico. Pero para mí, Stax tiene más de lo que debe ser el soul»
¿Crees que el tono de este álbum es una reacción a todo lo que pasó mientras preparabais el álbum?
Sí, se trata de dejar nuestro antiguo estudio, que estaba en una callejuela llamada Winding Way. Así es como surgió la idea del disco, porque muchas de las canciones e ideas surgieron al dejar nuestra casa atrás y avanzar, simplemente uniéndonos al Winding Way (el camino caprichoso). Básicamente, este es el sentimiento del disco y por qué lo llamamos así. Y, por supuesto, la canción «I’m Leaving» fue escrita sobre ese antiguo estudio y la casa en la que nos criamos.
Cuando tienes mucho tiempo y espacio, te vienen las ideas y es cuando te sientes libre de explorar esas ideas que surgen. Creo que los últimos cuatro años fueron momentos tan intensos con COVID y todo eso. Fue realmente difícil. Cuando se cancela un concierto, es casi como si lo hubieras hecho: tienes tu plan, te preparas con energía para tocar y luego te enteras el día anterior de que se cancela. Requirió mucha energía, así que creo que nos tomó un poco de tiempo establecernos en un espacio donde tuviéramos el espacio mental para escribir de nuevo. A veces desenterramos canciones del pasado como temas viejos que no salieron en anteriores trabajos. De hecho, suele ser nuestro proceso. Revisamos lo que escribimos hace años y vemos si podemos hacer algo que funcione con ello. O a veces es simplemente una nueva idea en la que seguimos trabajando. Como dije, todas las canciones tienen vida propia. Así que sí, lo que sucedía a nuestro alrededor era definitivamente parte de este disco.
Una vez tengas esa chispa creativa, ¿llegas al punto en el que todo se vuelve más fácil?
Para mí, las canciones siempre están ahí, flotando, y solo tienes que ponerte a ti mismo y a tu mente en la posición correcta para captar esas canciones o seleccionarlas y decidir si quieres convertirlas en algo o si quieres dejarlas volar.
Es como si quisieras atrapar mariposas. Tienes una pequeña red y a veces tu red está llena y no puedes meter más mariposas en ella, así que vas por ahí con una red llena de otras cosas de la vida o, la red podría simplemente estar llena de canciones sin terminar y hasta que grabes un álbum y saques algunas de esas mariposas de la red, realmente no tienes mucho espacio (o espacio mental) para atrapar más mariposas y meterlas en la red. Para mí, esa analogía es cómo surge la chispa creativa. Se trata de tener un flujo creativo y espacio mental. Si estás sacando y terminando discos y canciones, entonces aparecerán más canciones. Cuanto más haces, más generas. Es algo similar a la jardinería.
Entonces, cuando tengo esa idea inicial, para mí, es la parte más fácil. Mi cesta suele estar llena de canciones; nuevas e inacabadas. Lo más difícil para mí es terminarlas. Por eso, creo que Josh y yo trabajamos bien como equipo. Conseguiré una canción a medio terminar y luego se la llevaré a Josh y él crea nueva vida en ella. A veces solo necesitas un verso o una palabra que haga que la canción fluya nuevamente y que la canción vuelva a moverse. Es muy fácil que una canción se quede estancada. A veces, al compartir una canción con otra persona, se mueve y salta hacia adelante y entonces los jugos creativos empiezan a fluir de nuevo más fácilmente.
¿Siempre estás escribiendo? ¿Tienes un lugar o ambiente ideal? ¿Eres ese tipo que escribe canciones en servilletas de bar?
Ojalá fuera uno de esos tipos de servilletas de bar. Desearía que el agua siempre estuviera saliendo del grifo y pudiera anotar rápidamente las ideas y luego apagar el grifo. Pero lo que me pasa normalmente es que cuando el grifo está abierto, me cuesta cerrarlo y seguir con la vida o ir al bar y hacer otras cosas. A veces me meto mucho en una canción o en la creatividad. Vuelvo loca a mi familia porque canto lo mismo una y otra vez. Puede resultar bastante doloroso. Incluso si dejo de escribir y empiezo a intentar preparar la cena o algo así, sigo tarareando las melodías o se me ocurre un verso y tengo que apuntarlo. A veces puede ser muy difícil estar cerca de mí o captar mi atención porque mi cabeza está perdida en la «tierra de las canciones». Creo que mi familia ha descubierto cuándo hay que sacarme de esa “tierra” y cuándo hay que mandarme a una habitación para darle cuerpo a la canción.
Sin embargo, si estoy trabajando en un álbum, no tiendo a escribir canciones porque mi cabeza está totalmente ocupada en terminar las canciones. Pero una vez que se cierra el grifo de composición, soy bastante bueno manteniéndolo cerrado. Simplemente tarda en abrir y luego, una vez abierto, es difícil cerrarlo.
En cuanto al entorno ideal, suele ser mi casa. Escribo muchas canciones mientras estoy de gira, pero realmente tengo que esforzarme y no me resulta tan fácil, mientras que cuando estoy sentado en casa, tengo mis sitios para coger la guitarra o sentarme a tocar el piano. Escribir canciones es realmente fácil así. Todo fluye. Tengo tiempo para sentarme, jugar y explorar ideas; es algo natural.
¿Tener un nuevo álbum tiene un impacto en la forma en que creas el setlist para la gira?
Es una pregunta difícil. Es interesante, cuando sale un nuevo disco, parece que tu base de fans y público tardan un poco en sumergirse en las nuevas canciones y familiarizarse con ellas. Es extraño añadir estas canciones al set. Tenemos muchas ganas de incluir algunas cuando sabemos que funcionan muy bien en directo. Después de salir del estudio y mezclar el disco durante meses y meses, cuando llega el momento de volver a tocarlas, a veces medio año después, es posible que hayas olvidado cómo van las canciones, así que tienes que volver a aprenderlas y volver a tocarlas. Rara vez salen igual que las grabaste; siempre hay un nuevo giro que tal vez sea lo que a la gente le gusta de nuestros directos; generalmente no se parecen mucho al disco y tienen sus propios pequeños giros.
Es difícil calcular el tiempo aceptable de un directo. Prestamos mucha atención a la duración de un disco y de un concierto. Siento que hay una cierta cantidad de tiempo en el que puedes tocar y asegurarte de que el público disfrute cada momento en lugar de llegar al final de la noche y que digan: ‘Ya está bien, queremos irnos a casa. Estamos hartos’. Eso significa que no podemos tocar todas las canciones que amamos, pero hacemos todo lo posible para tocar durante el tiempo más adecuado sin escatimar en las jams o los momentos divertidos que normalmente hay en nuestros directos.
Hay tantas bandas con hermanos que han acabado mal: los Robinsons, Gallaghers, Allmans, Fogerty, etc… Quizás en Australia las cosas sean diferentes. Parece que los Young de ACDC y vosotros no tenéis ningún problema. Ya es bastante difícil mantener una banda durante años. ¿Cuál es el secreto para que una banda con hermanos no se separe?
Supongo que todos los hermanos son diferentes y tienen relaciones diferentes. La relación que Josh y yo tenemos suele ser bastante amistosa. No solemos estar en desacuerdo en muchas cosas y cuando lo hacemos, somos bastante educados y amables al respecto. De hecho, Eric comentó algo sobre eso mientras grabábamos este último disco. Dijo algo como: «Cuando peleáis o no estáis de acuerdo, tenéis las discusiones más educadas que jamás haya visto entre hermanos». Hacemos todo lo posible para darnos espacio el uno al otro y escuchar. Simplemente parece fluir. Nos queremos muchísimo, así que no nos obsesionamos mucho.
Parece que las cosas funcionan bien entre nosotros. Realmente nunca hemos tenido ningún problema y han pasado muchos años, así que estoy seguro de que habrá muchos más por venir. Quizás tenga algo que ver con Australia, sí. Quizás aquí haya algo diferente acerca de los hermanos. ¿Quién sabe?
La música soul dejó una huella eterna tras su explosión en los años 60. Algunos artistas como Springsteen incluso han afirmado que cuando intentaba abrirse camino a principios de los 70, daba por sentado que las mejores canciones de soul ya habían sido grabadas y que no se podía hacer nada mejor. ¿Estás de acuerdo? ¿Crees que ya hemos escuchado lo mejor del soul?
Lo que pasa con el soul es que se trata menos de la canción y más del alma, el corazón y la energía que le pones. Se trata de cómo lo cantas y lo tocas. No creo que lo podamos dar por finiquitado nunca. Siempre habrá nuevos artistas que tendrán una emoción diferente que transmitir a través de estos acordes simples y sonidos. La idea de una progresión del soul clásico deja mucho espacio para que el vocalista se mueva y entregue todo su corazón y alma. Ese género nunca podrá explorarse demasiado. Creo que podemos decir con bastante seguridad que siempre habrá buena música soul nueva. Tal vez suene similar a algunas cosas del pasado, pero siempre tendrá una historia diferente y una visión diferente. Además, la música evoluciona y cambia. Puedes intentar que suene como los discos clásicos, pero nunca sonará exactamente igual. Creo que eso es algo hermoso. Puedes hacer una versión de una canción y siempre tendrá algo diferente. Creo que se trata de mucho más que la música en sí. Es la energía detrás y la historia que se cuenta emocionalmente.
Apostamos que a vosotros os gusta más Stax que Motown, ¿verdad?
Definitivamente me gusta más Stax que Motown, aunque Motown, por supuesto, tiene muchas cosas hermosas. Pero, en mi caso, el sonido de los discos de Stax tiene mucha más sustancia. Realmente puedes sentir la energía de la banda detrás del sonido y la música y casi puedes imaginarte a todos en la sala cuando escuchas la mayoría de los discos de Stax. Con Motown, encuentro un poco más el mundo pop sobreproducido de la música soul. No es que esté sobreproducido, es fantástico. Pero para mí, Stax tiene más de lo que debe ser el soul.
Gracias a los estudios FAME en Muscle Shoals, Stax, RCA Studio y tantos otros, muchos artistas van al sur de EEUU para aprovechar la magia que evocan esos lugares y paredes. Prefieres seguir grabando en tu país. ¿Qué opinas de grabar en estos templos de la música? ¿Crees que la magia se puede encontrar en cualquier lugar?
Sí, todos esos estudios en los EE. UU. definitivamente tienen una energía hermosa. Son estudios que amamos y de donde han salido muchísimos discos hermosos. Definitivamente tienen un sonido y una energía hermosa. Pasa algo parecido cuando tocas en esas salas que tienen una energía increíble. Creo que cuando estás haciendo un disco, no es esencial ir a donde otros grabaron para obtener una energía específica. Seguramente es un lugar increíble para grabar, pero también necesitas contar tu propia historia. Tiene mucho que ver con cómo suena tu disco y dónde se grabó, por qué se grabó allí y el entorno… Si estás grabando en uno de estos grandes estudios, simplemente estás aprovechando la historia de otros. Está bien por un lado, pero creo que es hermoso instalarse en casa y ver cómo suena tu casa como estudio de grabación. De esa manera, podrás ver qué disco surge de la energía que pones en tu hogar. Puede ser una energía muy hermosa. No quiere decir que no sea difícil jaja, pero creo que vale la pena contar tu historia. Por eso nos gusta cómo grabamos nosotros. Después de grabar en otro lugar, tenemos muchas ganas de volver a tener un estudio en casa funcionando nuevamente para grabar nuestro próximo álbum. Tenemos un gran estudio y un equipo genial de 24 pistas y un montón de equipos excelentes, pero todo el material viene de diferentes épocas a lo largo de los últimos 50 años. Hay cosas viejas y cosas nuevas. Y creo que todas esas cosas diferentes se mezclan para darnos este sonido que tenemos. Es nuestro toque. Y no creo que seríamos capaces de conseguir ese sonido si grabáramos en otro lugar. Es demasiado una oda al pasado.
Entrevista realizada por Carlos Pérez Báez y Patricio González Machín. Traducción Jessica Jacobsen.
ORIGINAL INTERVIEW IN ENGLISH.
Interview with Sam Teskey’sThe Teskey Brothers:
You first released «Half Mile Harvest» and then a year later, «Run Home Slow» (both albums recognized by our magazine as the best albums of their corresponding release year). It took 4 years for the next studio album, The Winding Way to be released. There were some changes in the in the band and Eric Dubowsky came in as producer. What were you looking for with these changes and why has it taken you so long to visit Spain?
I guess one year is a very short amount of time to release an album and we probably killed ourselves touring with Half Mile Harvest and then making an album and trying to keep up with the demand of visiting places like Spain and Italy.
We basically spent the first 10 years of our career making Half Mile Harvest and then when people started paying attention, we really wanted to follow it up quickly with an album. We recorded Run Home Slow in a month out in our studio in Warrandyte. It was a big, big process. We did it quickly because we did it all to tape to make sure it holds the best sound. It’s good to kind of just get in there and get out. We recorded everything that way.
After that record, we had a lot of touring to do and a lot of demand. We were still trying to make it to Spain. And then COVID happened and then that kind of pushed us back. We were isolated from each other for quite some time. It seemed like a good moment to do some stuff on our own. Josh had a little project with Ash to work on and I had a little album that I’d put together. So we took a little bit of time off while we were isolated, to work on all that.
Plus, we both had kids as well at around that time. I have an older son who’s nine, but we had our second child who’s two now and Josh had just had his two kids. So, I guess that slowed us down a bit as well. We wanted to put a lot of focus into being around for the family.
So we finally came out with Winding Way pretty much just as things started to open up and it was possible for us to travel again. At first , we tried to play all the gigs that got cancelled earlier in the year which was a lot to catch up on. Then, we recorded this record with Eric Dabasky and drew off his enthusiasm, which was, as a producer, probably his main advantage: he was just so excited to work on it.
We didn’t want to go with a producer that was suited to our genre because we kind of wanted to stir things up a bit and see what else we could get out of it by working with someone who works in a different way and we didn0t want to run the risk of getting pigeonholed. I think his input and the result were really great.
Sometimes it gets hard to pull away from the things that we like and the sounds that we like. We ended up getting a big tape machine in Hercules Street Studios as well. We got an MCI 24 track in there to track to as well because we were missing it so much, which was really important for us.
Also, I think the time came when we had to sell the old Half Mile Harvest studio so it was kind of a point in time in which we needed to branch out and try something different. We’d always had that studio so it was a bit of our comfort zone so it was kind of cool to record somewhere else. We tried recording up in Sydney which was a challenge for us and the families, but we made it work and it just took us a little longer than we’d expected.
So, four years later, we had our new record. And yeah, each record has its own life. It kind of takes its own journey and this one was a long one. [laughter] I feel like the next one is going to be a bit easier because this one was quite intense.
Do you think the tone of this album is a reaction to everything that happened around you while you were preparing the album?
It’s like I said. It’s about leaving our old studio, which was on a little street called Winding Way. That’s kind of how the whole idea of the record came about because a lot of the songs and ideas came from leaving home and moving to the next stage and just joining in the winding way of life. That’s basically the sentiment of the record and why we named it Winding Way. And, of course, the song «I’m Leaving» was a song that was written about that old studio and the home we used to live in, and growing up etc.
Once you get that creative spark, do you get to the point where everything just gets easier?
So for me, the songs are always there, they’re always sort of floating around and you’ve just got to put yourself and your mind in the right position in order to catch those songs or pick them out and choose if you want to turn them into something or if you want to let them fly away.
A good analogy is catching butterflies and you’ve got a little net and sometimes your basket is full and you can’t fit any more butterflies in so you’re walking around with with a basket full of other life stuff or the basket could actually just be full of unfinished songs and until you release an album and get some of those butterflies out of the basket, you really don’t have much room or headspace to catch more butterflies to put in the basket. So for me, that analogy is how the creative spark comes about. It’s all about creative flow and headspace. So if you’re putting out and finishing records and songs, then more songs come. the more you do it, the more you it generates. It’s kind of similar to gardening .
So for me, once you’ve got that initial idea, that’s the easiest part. My basket seems to get really full of songs – unfinished and new. So the hardest bit for me is to actually finish the songs. And that’s why I think Josh and I work well as a team. I’ll get a half finished song and then I’ll bring it to Josh and he creates new life in the song. Sometimes you just need one line or one word that just gets it flowing again and gets the song moving again. It’s really easy for a song to get stagnant and not be able to find the next part. Sometimes you show it to someone else and it will move and jump ahead and then the creative juices start flowing again more easily.
Are you always writing? Do you have an ideal place or environment? Are you a bar napkin guy?
I wish I was a bar napkin guy. I wish the tap was always flowing and I could just quickly jot the ideas down and then get rid of them. But what happens to me usually is that when the tap’s running, it’s hard to turn off and go about life or go to the bar and do other things. I sometimes get really deep in a song or deep in creativity and I struggle to switch that tap off and I drive my family crazy because I’m just singing the same thing over and over again. It can be quite painful. Even if I stop writing and I start trying to make dinner, I’m still humming the tunes or I might think of another line and have to go write it down. I can be very hard to be around at times or hard to get attention from because my head is off in ‘songland’. I think my family has figured out when to snap me out of ‘songland’ and when to tell me to go and hide in a room to flesh out the song.
However, If I’m working on an album, I don’t tend to write songs as much because my head’s fully into trying to complete the songs. But once that songwriting tap’s off, then I’m pretty good at keeping it off. It just takes some time to get it going, and then once it’s going, it’s hard to turn off.
As for the ideal environment, it tends to be at home. I write a lot of songs on the road but I really have to push myself and it doesn’t come that easily to me, whereas when I’m just sitting at home, I have my little spot to pick up my guitar or sit at the piano and songwriting comes really easy. It just happens. I’ve got the time to just sit and play and explore ideas – it comes naturally.
Does the feeling of having a new album out have an impact on the way you fill out your setlist for your tour?
That’s a hard one. It’s interesting, when a new record comes out, it seems like your fan base and your crowd takes a little while to get into the new songs and get acquainted with them. It’s weird to add these songs into the set. We’re really excited to put some of them in when we know that they work really well live. After coming out of the studio and mixing the record for months and months, when it comes to playing them again, sometimes half a year later , you’ve probably forgotten how the tunes go so you kind of have to relearn them and get back in the headspace you were in back at the studio. It rarely comes out the same as you recorded it, there’s always a new spin to it which maybe is what people like about our live set – it generally doesn’t sound too much like the record and has its own little twist to it.
It’s hard to keep the set to a palatable length. We pay a lot of attention to the length of a record and a set. I feel like there’s a certain amount of time that you can play and make sure the audience is enjoying every moment of it rather than getting towards the end of the night and them saying, ‘okay, we want to go home now and we’re sick of it’. So, our ideal set length means that we can’t play every song that we love, but we do our best to use up the right amount of time without skimping on the jams or the fun moments that we usually add to the live set.
There are so many bands with brothers who’ve ended up badly: the Robinsons, Gallaghers, Allmans, Fogerty, etc… Maybe in Australia, things are differently. The Youngs from ACDC and you don’t seem to have any issues. It’s hard enough to keep up a band for years. What is the secret for a band with brothers to not break up?
I guess all brothers are different and have different relationships. The relationship Josh and I have is usually quite amicable. We don’t tend to disagree on too much and when we do, we seem to be pretty polite and nice about it. Even Eric commented on that while we were recording this last record. He said something like, “when you guys fight or have a disagreement, you have the most polite disagreements that I’ve ever seen between brothers.” So we do our best to give each other the space and hear ideas out. It just seems to flow. We’re both pretty crazy about each other, so we don’t get hung up on much.
Things seem to be working well between us. We’ve never really had any problems and it’s been many years now so I’m sure there’ll be many more years to come. Maybe it does have something to do with Australia. Maybe there’s something different about brothers here. who knows?
Soul music left an eternal mark after its explosion in the ‘60s. Some artists like Springsteen have even stated that when he was struggling to break through in the early 70’s, he took it for granted that the best soul songs had already been recorded, that nothing better could be done. Do you agree? Do you think we have already heard the best of soul?
So the thing about soul is that it’s less about the song and more about the soul, the heart and the energy that you put into it. It’s about the way you sing it and play it. I don’t believe that it can ever be complete. There will always be new artists that have a different emotion to convey through these simple chords and simple sound. The whole idea of a classic soul progression leaves so much space for the vocalist to move around and to give their whole heart and soul.
That world can never be explored too much. I think we’re pretty safe to say that that there will always be good new soul music out. Maybe it might sound similar what some of the stuff from the past, but it will always have a different story and different life attached to it.
Plus, music evolves and changes. You can try and make it sound like the classic records but it will never sound exactly the same. I think that’s a beautiful thing. You can cover a song and it will always have a different spin on it. I think it’s a lot more than just the music itself. It’s the energy behind it and the story that’s told emotionally.
We bet you guys are more into Stax than Motown, right?
I’m definitely more into Stax than Motown, although Motown, of course, has a lot of beautiful stuff. But, in my case, the sound of Stax records has a lot more substance. You can really feel the energy of the band behind the sound and the music and can almost picture everyone in the room when you listen to most Stax records.
In Motown, I find a little more of the overproduced pop world of soul music; not that it’s overproduced – it’s great stuff. But Stax for me has more of what soul is meant to be.
Thanks to FAME Studios in Muscle Shoals, Stax, RCA Studio and so many others, many artists go south to take advantage of the magic that those places and walls evoke. You prefer to continue recording in your country. What do you think about recording in these music temples? Do you believe that magic can be found anywhere?
Yeah, all those studios across the US definitely have a beautiful energy. They’re studios we love where so many beautiful records have come out of. They definitely have a sound and a beautiful energy attached to them and so it’s similar to these live venues that have an amazing energy.
I feel like when you’re making a record though, it’s not essential to go to where others recorded for a specific energy. I’m sure it’s an amazing place to record, but you want to be able to tell your own story as well. It has so much to do with how your record sounds and where it was recorded why it was recorded there and the environment… If you’re recording at one of these big studios you’re just sort of tapping into that story. And that’s fine on one hand, but I think it’s beautiful to set up at home and see what your house sounds like as a recording studio. That way you get to experience what record comes out of the energy that you put into your home. It can be a very beautiful energy. It’s not to say that’s not hard, but I think telling the story is worth it. That’s why we like to record the way we do it. After recording elsewhere, I think we’re excited to get a home studio back up and running again to record our next album. We still have a big studio and nice big 24 track tape machine and lots of great gear, but all stuff is from different times from the last 50 years; some old, some new. And I think all of those different things come together to give us this sound that we have. It’s our spin on things. And I don’t think we would be able to get that sound if we recorded somewhere else. It’s too much of an ode to the past.
