El festival holandés TakeRoot festival siempre se ha anticipado a lo que vendría con lo mejor de la americana music. Lo dicen sus 28 años de existencia y no se han equivocado. Por eso es el mejor festival de Europa de músicas de raíces norteamericana de largo. En esta edición celebrada el pasado sábado, sin grandes nombres, podemos decir que el futuro del género está más vivo que nunca.
El TakeRoot festival se abre paso a través de historias, se desliza hasta el corazón, vibra en las cuerdas de cada guitarra y cala en el alma. Y existe un lugar donde este sonido cobra vida: Groningen, en los Países Bajos. Y fue este pasado viernes 7 de noviembre donde se encuentra la prestigiosa universidad de Groningen, se convertiría en la meca para los amantes de la música que buscan algo más que los éxitos de la radio. Aquí todo gira en torno al *groove*, a la emoción que pone la piel de gallina y a la superación de fronteras. Un crossroads de la americana music donde el festival se sitúa, de forma simbólica, en una encrucijada musical donde convergen el folk, el country, el jazz, el soul, el funk, el rock’n’roll, el blues, bluegrass, el rock sureño y el rhythm and blues. Quien piense que la americana es algo exclusivo de bares llenos de humo y portadas de discos amarillentas, descubrirá aquí que está muy equivocado.
Las piernas de jóvenes y mayores parecían haber olvidado que pasaron las últimas nueve horas de pie, corriendo hacia el siguiente escenario sin apenas tiempo para descansar, y nadie puede quedarse quieto. Créanme cuando decimos jóvenes y mayores: el público aquí es claramente mayor que el de un festival “indie” promedio, lo que avergüenza no solo a los boomers de todo el continente que se creen demasiado viejos para salir de casa después de cenar, sino también a la Generación X y a los millennials que renunciaron a la música en vivo y a “divertirse” en cuanto tuvieron hijos que alimentar. En fin. Encuéntrenme a alguien que haya estado en la sala y no se haya ido del festival con una sonrisa en la cara y trataré de animarlo para la edición del 2027.
El género difícilmente podría pedir una mejor carta de presentación para que arrancase la vigesimoctava edición del TakeRoot. Un micrófono, dos viejos taburetes de bar, y solo un hombre, Otis Gibbs.
Otis Gibbs
Otis Gibbs salió solo al escenario de TakeRoot con una clara consigna que nunca hemos oído en el festival: nada de fotografías ni de vídeos. Quería enfatizar la importancia de mantener la atención en todo momento. Sin más acompañamiento que su guitarra y sin necesidad de recurrir a ningún artificio nos hipnotizó desde el primer minuto. Lo suyo fue un concierto de canciones, pero también de todo lo que hay detrás de ellas. Porque Gibbs tiene una particularidad que le distingue de muchos de sus compañeros de oficio: sabe contar las historias que le llevan a escribirlas y, sobre todo, sabe contarlas sin convertirlas en una lección de historia.
Buena parte del encanto de su actuación estuvo precisamente en esos discursos entre canciones. Se detenía, explicaba quién estaba detrás de una historia, de dónde había salido un personaje o qué circunstancia había terminado convirtiéndose en una canción. Después cogía la guitarra y tocaba con su voz cavernosa y profunda. Y entonces uno entendía mejor lo que acababa de escuchar.
“Ditchweed” abrió el concierto, seguido de “Caroline” y “Sputnik Monroe”, ese homenaje a un luchador que acabó convirtiéndose en un abanderado de los derechos civiles. Especialmente emocionante fue “Eastside”, un homenaje al Nashville más alternativo en el que mencionó al desaparecido Todd Snider. Fue Otis el que le recomendó ir al hospital al ver lo mal que estaba, pero ya era demasiado tarde. También nos emocionó con ese clásico que es “Joe Hill’s Ashes”, una de las canciones más emblemáticas. Como ya sabíamos, nos contó que acabó ingiriendo parte de las cenizas del mítico activista norteamericano por insistencia de Billy Bragg.
Y es que Otis tiene muchísimas cosas que contar. Le interesan las personas, sus circunstancias y las historias que sobreviven al paso del tiempo. Es plenamente consciente de que representa el típico trovador americano. Ese que sabe transformar en arte las pequeñas historias de héroes poco reconocidos. En TakeRoot ofreció una actuación íntima y preciosa, sin una sola necesidad de disfrazar su propuesta.
Birds Flying Backwards
Los británicos manejan con naturalidad ese sonido de folk-rock de los setenta, con armonías vocales que evocan a The Byrds y Crosby, Stills, Nash & Young, un piano que aporta matices entre el honky-tonk y el jazz y una instrumentación cálida, sin artificios. En su concierto vimos ecos de Laurel Canyon, de The Band y de los primeros Fleetwood Mac, pero no solo eso. Al igual que hicieran Brown Horse en la edición del 2025, dejaron el pabellón británico muy alto.
Hay una serie de bandas jóvenes en las islas que están haciendo grandes canciones. Y, como indica su último single –“Growing Up”-, están creciendo a gran velocidad. Como intuíamos, en directo tienen una energía contagiosa que no pudimos disfrutar tanto como queríamos por culpa de su coincidencia con Mr. Gibbs. Su versión de “Angel From Montgomery” nos indicó de dónde vienen, el futuro nos dirá hacia dónde van.
Jobi Riccio
En el escenario del sótano, más recogido e íntimo, Jobi Riccio ofreció una buena muestra de por qué su nombre merece atención dentro de la nueva generación de compositores estadounidenses. La artista de Colorado, afincada en Nashville, llegó a TakeRoot con su flamante “Face the Feeling” bajo el brazo y un repertorio que combina la tradición de la americana con una sensibilidad cada vez más cercana al indie rock. La principal incógnita era saber si estas canciones funcionarían en solitario, pero ¡vaya si lo hizo!
“Whiplash” abrió una actuación que encontró pronto su personalidad en “Idaho”, “High Beam” y “Pilar, NM”. Riccio tiene una escritura confesional, sin demasiados adornos, que habla de las incertidumbres sentimentales, el desarraigo y las contradicciones de hacerse adulto. Pero su música ha ganado electricidad respecto a su debut. Canciones como su descarnada visión de los incendios en su tierra natal, “Wildfire Season” muestran esa evolución hacia guitarras más incisivas y una intensidad que se aleja del country convencional.
Especialmente interesante fue el contraste entre la vulnerabilidad melódica de temas como “Little at a Time” y el carácter más descarado de “Buzz Kill”, dos caras de una compositora que sabe moverse entre la introspección y el nervio rockero. Su paso por Groningen dejó la impresión de una artista en pleno crecimiento, con buenas canciones, personalidad y una voz propia que no necesita esconderse detrás de las referencias. Nos cruzamos por el pasillo un rato después, buena ocasión para felicitarle por lo bien que supo defender un repertorio como este en solitario.
Abigail Lapell
Si algo hemos aprendido una y otra vez , es que la música tiene el poder de unir a las personas, sin importar sus estilos, niveles de habilidad ni historias. No necesitas ser famoso para formar parte de esta comunidad; solo necesitas sentir pasión por el sonido que creas y la alegría que transmite. Eso sucedió en la sala más alta del espacio cultural, el Ático, con la canadiense Abigail Lapell acompañada de la violinista, multiinstrumentista y vocalista estadounidense Jacqui Armbruster.
Exuberante, cálido y maravilloso concierto de Abigail donde presentaba su nuevo disco “Shadow Child”, lanzado este pasado mes de mayo. Un disco sobre la maternidad cuyas nueve canciones representan cada mes de gestación y donde su concierto celebraba el amor y mucho más para deleitar los sentidos del noir folk. Lo suyo va más allá de lo pulido con dos voces versátiles, sin ataduras a los géneros. Apabullante concierto de la canadiense.
Eli Paperboy Reed
Eli “Paperboy” Reed ocupó uno de los escenarios principales del TakeRoot Festival de Groningen para recordar que el soul es pasado, presente y futuro de la música americana. En la Grote Zaal de De Oosterpoort, el músico de Boston ofreció una actuación de enorme calidad, acompañado por una banda de músicos españoles que respondió con categoría, empuje y una complicidad que terminó siendo una de las grandes bazas del concierto.
Reed lleva años demostrando que su relación con el rhythm & blues, el gospel y el soul clásico va mucho más allá de la admiración por sus grandes nombres. Tiene una voz privilegiada, de esas que pueden pasar de la aspereza al desgarro sin perder un ápice de personalidad, y una manera de entender el escenario que combina oficio, espontaneidad y una entrega poco impostada. Su repertorio fluctúa entre todos esos sonidos que amamos: desde “Cut You Down” hasta el “Take My Love To You” que la cerró fue desplegando ese repertorio en el que conviven el músculo del rhythm & blues, las melodías del soul y un rock and roll que invita a dejarse llevar.
El concierto tuvo un importante componente de presentación de “Getting There”, su último trabajo, producido por Swamp Dogg. La canción que da título al disco, “Asking For A Friend” o “The Satisfier” encontraron su espacio en una actuación que no se limitó a repasar novedades, sino que fue construyendo un recorrido por las distintas facetas de su carrera. Hubo espacio para Merle Haggard, uno de sus principales referentes. Eli sabe llevar a su terreno esas canciones sin necesidad de disfrazarlas. Su música entiende perfectamente que el soul y el country comparten más de una herida y bastantes historias de perdedores.
La banda española tuvo mucho que ver en el excelente resultado de la noche. Lejos de ser un simple acompañamiento, sus músicos sostuvieron con solvencia los cambios de intensidad, los arreglos y el carácter rítmico de unas canciones que necesitan algo más que una buena voz para funcionar. La complicidad entre todos permitió que Reed se moviera con libertad, alternando momentos de mayor intensidad con otros en los que podía recrearse en los matices de su interpretación. Eran Gabi Planas a la batería, Juan Fidalgo al bajo, Chavi Ontoria a los teclados, Ernesto Millán al saxo e Iván del Castillo a la trompeta. Músicos habituales de Morgan, Saxos del Averno, M-Clan o Germán Salto que saben hacer su trabajo a la perfección.
En un festival que reúne distintas generaciones y maneras de entender la música de raíces estadounidense, Eli “Paperboy” Reed aportó una buena dosis de soul sin complejos ni pureza. Todo interpretado con conocimiento, carácter y una banda que estuvo a la altura de su protagonista.
Grace Cummings
La australiana Grace Cummings demostró sus extraordinarias dotes como intérprete. Se nota que es actriz: sabe transformar el escenario en un espacio de representación donde cada gesto, cada mirada y cada grito forman parte de la historia. La australiana tiene algo de intérprete de otro tiempo, una personalidad escénica poco habitual en la que conviven la fragilidad, el desgarro, el humor y una intensidad que puede resultar tan fascinante como desconcertante. Patti Smith o Nick Cave le han enseñado muchos caminos.
Acompañada por Tommy Brooks al bajo, Miles Brown al theremin y los teclados, Tex Keane-Cullen a la batería y Louis King a la guitarra, Cummings desplegó su particular universo de folk oscuro, rock y psicodelia. El theremin fue omnipresente, una presencia casi fantasmal que sobrevoló las canciones y añadió una dimensión inquietante a un repertorio que necesita precisamente de esos elementos para escapar de cualquier clasificación convencional. Miles Brown encontró en el instrumento un aliado perfecto para dibujar atmósferas, subrayar tensiones y dialogar con una cantante que parece disfrutar llevando cada interpretación hasta un lugar inesperado.
Hubo espacio para el humor y la teatralidad con “The Hills Are Alive with the Sound of Morphine”, su particular homenaje a Sonrisas y lágrimas. Una referencia cinematográfica que adquiere otra dimensión cuando pasa por el filtro de una artista como Cummings. La épica de “WITCH! WITCH! WITCH!” mostró su vertiente más desatada, con una interpretación de enorme fuerza dramática y ese épico final al piano. Mucho, mucho nivel. Mientras, “I’m Not Crazy” dejó asomar su cara más delicada y pop, demostrando que detrás de esa intensidad casi salvaje también hay una compositora con un notable sentido de la melodía.
Esa capacidad para cambiar de registro sin perder personalidad es probablemente una de sus mayores virtudes. Cummings puede pasar de la contención a la excentricidad, del susurro al grito, de una canción que parece suspendida en el aire a otra que reclama toda la electricidad del escenario. Tiene una manera muy física de entender la música. Sus canciones tienen personajes, escenas y estados de ánimo, y ella se encarga de darles cuerpo. Sabe jugar con su público, sabe llevarnos a su terreno con pequeños gestos.
Grace Cummings dejó en TakeRoot una actuación distinta, difícil de encerrar en los parámetros habituales de la americana o el folk. Una artista con voz, canciones y una personalidad escénica únicas en la escena actual. Porque Cummings sale al escenario a jugar con sus canciones y a llevarlas hasta sus últimas consecuencias. En todo momento supo tenernos en vilo y con la tensión alta. Aunque pareciera que todo pendía de un hilo, Grace tenía en todo momento el escenario perfectamente controlado.
Jeremy Pinnell
Una gozada también fue ver en directo a Jeremy Pinnell, un tipo que fusiona la música de raíces sobre el cinturón de acero en la zona de los Grandes Lagos con un country crudo y sin concesiones. Canciones pegadizas de su nuevo trabajo “Decades”, lanzado el año pasado y producido por Shooter Jennings más otros temas country honk y outlaw de su discografía pulidas por las raíces más profundas de la música country.
La tristeza y la redención de Pinnell fueron en el TakeRoot lo suficientemente auténticas para no edulcorarlas. Con la inocencia de la música country tradicional, uno siente que Pinnell podría ser una buena opción siempre. La voz de Jeremy Pinnell proyecta esas historias en una sala medio vacía de un bar de provincias en algún lugar del oeste de Estados Unidos, y te encuentras allí sentado deseando que hubiera alguien amable al otro lado de la barra sirviéndote otro whisky.
Pinnell cantó y narró en sus canciones la alegría y la tristeza de ser humano, con canciones de su discazo “Goodbye LA”, lanzado hace 5 años. Con una autenticidad innegable, Jeremy Pinnell compartió con todos nosotros historias de trabajo duro, sencillez y gratitud por las bendiciones recibidas. Jeremy no rehuye de temas que quizás no sean los más agradables. Durante generaciones, la música country ha mantenido temas sencillos como el trabajo, la familia y la fe, Jeremy quiere seguir recordándonos que esas son las pautas para conciliar.
Willow Avalon
Willow Avalon parece salida de una película ambientada en el sur profundo, pero conviene no dejarse engañar por las apariencias. Detrás de su estética de southern belle, sus vestidos de aire vintage y esa imagen de muñeca country se esconde una compositora con bastante mala leche, un sentido del humor afilado y una saludable afición a poner a los hombres en su sitio. ¿Hasta dónde es pose o algo real? No importa, en el show business lo importante es dar un buen show y ella sabe cómo lograrlo.
Su paso por TakeRoot, en Groningen, confirmó que su creciente popularidad no se sostiene únicamente en una colección de canciones pegadizas, sino también en una personalidad escénica que sabe cómo hacerse notar. Y eso que el comienzo no fue el mejor, ya que las dos primeras canciones, las más potentes de su repertorio, sonaron un poco deslavazadas. Líricamente, “Southern Belle Raisin’ Hell” y “Hickest Woman” sí son perfectas tomas de contacto para entrar en su universo. Avalon juega constantemente con los tópicos de la feminidad sureña para darles la vuelta, utilizando el country como vehículo para contar historias de relaciones desastrosas, tipos impresentables, desengaños y pequeñas venganzas.
Con “Work to Do” y “Cardinal Sin”, más melódicas, fue despegando todo. Su repertorio demuestra que el humor y la ironía conviven con una escritura bastante más personal de lo que podría parecer. Somos muy fans de sus historias, escritas con muy mala leche. “Pink Pocket Pistol”, una de sus canciones más representativas, resume especialmente bien esa mezcla de picardía, descaro y reivindicación femenina. Sus intervenciones entre canciones tuvieron tanto interés como el propio repertorio. Willow hablaba, bromeaba y contaba historias muy divertidas, quizás demasiado acelerada para los no angloparlantes.
Willow no parece tener demasiadas ganas de adoptar la solemnidad de una estrella de country y prefiere reírse de sí misma, de sus experiencias sentimentales y de los personajes que terminan convirtiéndose en canciones. “Easy on the Eyes”, “Yodelayheewho” y “Georgia Mile” aportaron diferentes registros a una actuación que también encontró espacio para la vulnerabilidad y la melodía, antes de recuperar el tono más pícaro con cosas como “Tequila or Whiskey” y “Willy Won’t”.
Como en el caso de Grace Cummings, hay mucho de teatral en su manera de ocupar el escenario. El estilismo y esa mezcla de ingenuidad aparente y malicia sureña forman parte de un personaje que debe mucho a Dolly Parton. Pero detrás de la puesta en escena hay una artista que conoce perfectamente sus armas y sabe utilizarlas. Avalon juega con la iconografía tradicional del country femenino, pero no está dispuesta a interpretar el papel que otros escribieron para ella.
“Homewrecker” cerró una de las mejores actuaciones del festival. Willow demostró más descaro y bastante más personalidad de la que suele encontrarse en algunas de las nuevas propuestas de Nashville. Tiene todavía mucho camino por recorrer, pero ha encontrado una voz propia y una manera muy particular de contar sus historias. Una southern belle que prefiere llevar una pistola rosa en el bolso antes que esperar a que alguien venga a rescatarla.
Zoh Amba
Existe una magia especial que surge cuando la música llena un espacio, no desde una pantalla o una transmisión, sino desde un reproductor a pocos metros de distancia. Esa magia es la esencia del Sótano en el festival, y lo ha sido desde sus inicios. Porque cuando los músicos se reúnen, sucede algo real, como ocurrió con el conciertazo de Zoh Amba.
Si bien gran parte de la música de Zoh Amba evoca influencias de años pasados, nunca se siente como una imitación, sino como el talento de una compositora que crea nuevas canciones a partir de sonidos antiguos, plasmando su propia imagen mágica. Lo del concierto abrasador y salvaje de Zoh Amba, fue otra de las grandes sorpresas del festival.
En nuestro radar desde hace varios años, Zoh Amba es considerada como una de las estrellas emergentes del free jazz. Su nuevo álbum, “Eyes Full” uno de nuestros favoritos este año, lanzado este pasado mes de junio, Amba tomó un rumbo completamente diferente. Cambia el saxofón por la guitarra y la voz, y opta por canciones donde el roots rock crudo, las baladas indie y la música americana forman el hilo conductor.
El concierto de Zoh Amba en TakeRoot se nutrió de elementos del folk de los Apalaches, el country rock y otros géneros afines; algunos aspectos del proyecto recuerdan a otros cantautores del género, especialmente a Adrianne Lenker. La voz de Amba es algo similar a la de Lenker en cuanto a tono y timbre, aunque mucho más poco convencional y cruda. Su crudeza y aspereza durante toda la velada, nos resultó atractiva, muy Dylaniana en sus inicios, utilizando varias guitarras, clarinetes, pedales y efectos, fluctuando en cuanto a su energía e intensidad, lo que mantiene el proyecto interesante, a pesar de la relativa sencillez de su sonido.
Sin duda Zoh Amba nos sorprendió en directo mostrando su potencial, donde la aparente sencillez de lo salvaje dio lugar a resultados impactantes, todo como si la estuviéramos observando desde el corazón del sur de los Apalaches del Sur, la música de montaña. Si Amba decide continuar por este camino, ojo que tenemos a una estrella de la Americana en ciernes
Will Slater & The 53
Una de las agradables sorpresas de TakeRoot llegó de la mano de Will Slater & The 53, una banda de músicos muy jóvenes que aterrizó en el escenario Foyer con las ideas claras y un concierto impecable. Desde Georgia, cuna de tantas buenas historias de rock americano, Slater maneja una mezcla de country, americana y rock sureño que tiene en Drive-By Truckers una referencia inevitable, tanto por el sonido de las guitarras como por esa manera de combinar electricidad, melodía y narraciones de la vida cotidiana.
Canciones como “Slip Away”, “Take It All”, “Rabbit Hole” o “Lost Cause” fueron dando forma a un repertorio de guitarras firmes, buenas melodías y una base rítmica que nunca perdió el pulso. Hay juventud, pero no bisoñez. Slater y sus compañeros demostraron una compenetración y una seguridad admirables, tocando con naturalidad y sin necesidad de recurrir a exhibiciones gratuitas. Detrás de esta prometedora formación hay canciones y argumentos suficientes para reclamar atención.
La declaración de intenciones definitiva llegó con “Outfit”, el clásico de Drive-By Truckers, una elección especialmente significativa tratándose de una banda procedente de Athens, Georgia. También hubo espacio para “Driver’s Seat”, nuestra melodía favorita de una banda con todo el futuro por delante. Tras cerrar con “Wauka Mountain Road”, nos fuimos al siguiente concierto con una excelente impresión. Tienen juventud y canciones. Si continúan trabajando con esta solvencia, habrá que seguirles la pista muy de cerca.
The Del Fuegos
La mítica banda de Boston The Del Fuegos sigue teniendo gasolina. Su concierto confirmó que los hermanos Dan y Warren Zanes han recuperado algo más que el nombre de la banda: hay energía, oficio y ganas de seguir defendiendo aquel rock de raíces que los convirtió en una referencia del Nuevo Rock Americano.
La formación actual suma a Tom Lloyd al bajo, Colin Brooks a la batería y Claudia Zanes, cuya voz y teclados aportan un aire nuevo al grupo. Apenas pudimos disfrutar de un par de canciones. La agenda estaba cargada y preferimos reservar el encuentro para su inminente gira española. Una buena ocasión para reencontrarse con una banda que, lejos de vivir únicamente de la nostalgia, parece dispuesta a seguir dando guerra.
American Aquarium
Hay bandas que están hechas para festivales como TakeRoot. American Aquarium ha crecido en el festival. Empezaron en los escenarios más pequeños y el sábado estaban en el escenario principal. Son la definición de banda takerootera. Por su manera de entender el rock, por las historias que cuentan sus canciones y por esa capacidad de convertir las derrotas cotidianas en himnos de resistencia. Si TakeRoot representa una manera de entender la música americana, entre las raíces, el rock and roll, el country y la honestidad de los grandes compositores, American Aquarium fue probablemente quien mejor resumió su espíritu.
Lo hicieron, además, con una autoridad que impresiona. La banda atraviesa un momento extraordinario y da la sensación de haber encontrado esa formación definitiva que Barham ha perseguido durante buena parte de su carrera. Una maquinaria de rock perfectamente engrasada, con músicos de enorme calidad, capaces de entender cuándo toca apretar el acelerador y cuándo dejar espacio a las canciones. Las guitarras, el teclado y la pedal steel construyen un sonido amplio, robusto y lleno de matices, con una sección rítmica que sostiene todo sin necesidad de exhibicionismos.
Abrieron con “Dollar General”, de su último trabajo. Esa narración de las pequeñas ciudades, con trabajos difíciles, relaciones que se rompen, familias, errores y más errores… La América que rara vez aparece en las postales. “History Repeats Itself”, “Cherokee Purples”, “St. Mary’s”, … Una tras otra iban cayendo canciones redondas. BJ establece una cercanía que hace que el concierto tenga mucho de encuentro entre amigos. “Hurricane” y “The World Is on Fire” mostraron la dimensión más expansiva del grupo.
American Aquarium tienen ese sentido del heartland rock que remite inevitablemente a Bruce Springsteen. Algo que no han querido disimular en su último trabajo. Pero no se trata de imitar a nadie. Barham tiene voz propia, una escritura reconocible y una mirada muy particular sobre el sur de Estados Unidos.
Clásicos como “Crier” o “Burn.Flicker.Die” sonaron mejor que nunca. La guitarra de Shane Boeker, el trabajo de la pedal steel y los teclados aportan profundidad y color, mientras la base rítmica empuja con una contundencia que permite que el grupo se mueva con absoluta libertad entre nuestros estilos favoritos.
El momento íntimo vino con la fantástica “Lamentations”, que curiosamente no estaba en el setlist previsto. Otro momento inolvidable fue la mellencampiana “The Luckier You Get”. Uno de esos himnos con sabor a carretera que tan bien sabe hacer Barham escribe desde la experiencia, pero consigue que sus historias no se queden encerradas en su biografía. Sus canciones pertenecen también a quienes encuentran en ellas algo propio.
Ahí BJ Barham es, sin duda, uno de los grandes compositores actuales del rock americano. American Aquarium llevan años construyendo una carrera a base de carretera, canciones y resistencia, lejos de los atajos y de las modas. El próximo mes de junio los tendremos en el Azkena Rock Festival. Conviene apuntar su nombre, prometen ser de lo mejor del 25 aniversario. Fue curioso ver al final del concierto a BJ Barham departiendo en un corrillo con muchos fans de la banda que aprovecharon para preguntarnos: “¿Cómo se va a Vitoria?”.
Henry Wagons
Henry Wagons tiene un carisma peculiar. Su conexión con el público fue asombrosa. Después de cada canción, e incluso durante ella, se acercaba al público con una anécdota divertida sobre sí mismo o su vida. Constantemente elegía a alguien del público para que se uniera a la diversión. Todo el concierto de Wagons en el TakeRoot fue una charla ingeniosa y divertida. Sus historias eran entretenidas y sus canciones tenían un toque kitsch.
El concierto de Wagons en Groningen fue un nuevo e interesante viaje y entretenido con el de Melbourne presentando canciones de su nuevo disco “Queenie & Hank” a veces a través de la oscuridad, a veces a través de la luz, con influencias del pop, honly tock, country outlaw y el R&B.
Otro concierto para recordar en el TakeRoot con Henry Wagons, un hombre para todas las estaciones, con canciones ingeniosas y divertidas, cantadas con esa voz de tenor.
Pert Near Sandstone
De Pert Near Sandstone apenas pudimos disfrutar de unos minutos, los suficientes para comprobar que estamos ante una banda con mucho oficio y una personalidad bien definida. Desde Minnesota llevan dos décadas trabajando sobre las posibilidades del bluegrass y la música de raíces, combinando banjo, mandolina, violín y guitarra con una naturalidad que llama la atención.
Sus melodías están extraordinariamente bien engrasadas, los instrumentos se entrelazan sin estorbarse y las canciones avanzan con una soltura contagiosa. Hay tradición, pero también una voluntad de llevarla a otros terrenos, con un punto de energía rockera que evita cualquier tentación de quedarse anclados en el purismo.
True Loves
Es habitual acabar el festival con alguna banda de soul funk en el escenario. Recordamos el enorme triunfo de Fantastic Negrito hace un par de ediciones. La propuesta de True Loves es instrumental. No necesita palabras. Asentada en el funk y el soul, la banda funciona como una máquina perfectamente sincronizada.
Bajo, batería y percusión levantan un groove sólido y flexible sobre el que guitarras y una poderosa sección de vientos, con saxofones y trombón, van construyendo melodías, riffs y arreglos con una precisión admirable. Hay ecos del soul de los sesenta y setenta, del funk más musculoso y de esa tradición de bandas instrumentales que entienden que el ritmo es el verdadero protagonista. Toda una fiesta que hubiéramos disfrutado más si no nos hubiera estado esperando en otro escenario el bueno de Juanito…
Johnny Mullenax
Nosotros ya lo conocimos en el Huercasa, pero los holandeses no. Y Johnny Mullenax fue una de las grandes sorpresas de TakeRoot. El guitarrista y compositor de Tulsa llegó a la Kleine Zaal y, una hora después, salió dejando la impresión de que es un tipo que conviene seguir muy de cerca. Lo suyo es una mezcla explosiva de country, bluegrass, rock, jazz y funk, una combinación que él mismo define con bastante acierto como funky country bluegrass. Pero las etiquetas se quedan pequeñas cuando empieza a tocar.
Mullenax tiene 28 años. En su ciudad se ha convertido en una figura de culto gracias, entre otras cosas, al Bluegrass Brunch del Mercury Lounge, una reunión dominical de músicos que ha terminado siendo una auténtica institución local. Allí ha ido forjando una banda y una comunidad musical en la que el virtuosismo no está reñido con la diversión. Y eso se entiende perfectamente cuando uno los ve en directo.
Arrancaron con “Ol Slew Foot”, llevando el bluegrass a una velocidad que parecía desafiar cualquier limitación física. A continuación, “Used to Work” introdujo una de las facetas más interesantes de su repertorio. Mullenax no es solamente un guitarrista descomunal. También tiene canciones, sentido del humor y una mirada bastante poco complaciente sobre la vida laboral y las obligaciones que nos imponen. “Home Sweet Home” permitió comprobar hasta dónde puede llegar su imaginación instrumental. La canción se convierte en un territorio abierto en el que la banda puede estirarse, buscar caminos inesperados y regresar al punto de partida sin perder nunca el hilo.
“Long Haired Country Boy”, de Charlie Daniels, es un clásico que ya ha hecho propio. Por otro lado, “This Joint’s For You” es una de sus mejores canciones propias. “Spain”, la composición de Chick Corea, termina de explicar por qué Mullenax resulta tan difícil de clasificar. Pasar del lenguaje del bluegrass a una pieza de jazz de semejante complejidad no es una pirueta para impresionar al personal. Es una consecuencia natural de su formación, de su curiosidad y de sus ganas de explorar sus límites como instrumentista.
Su banda merece un capítulo aparte. Son músicos extraordinarios, pero lo verdaderamente llamativo es la manera en que se entienden. El violín de Michael Schembre es una auténtica barbaridad, un instrumento que no se limita a aportar el color tradicional del bluegrass, sino que se convierte en un interlocutor eléctrico de la guitarra de Mullenax. Sus intercambios tienen algo de duelo amistoso, de competición en la que nadie necesita ganar porque todos salen beneficiados. La guitarra acústica, los teclados y una sección rítmica contundente completan un entramado que permite al grupo moverse con absoluta libertad. ¡Cómo no van a ser unos virtuosos! Al fin y al cabo, ¡son de Tulsa!
La banda cerró el festival con “With Me”, dejando a todo el público exhausto después de disfrutar de semejante descarga de energía. Hay algo refrescante en Mullenax. Es un iconoclasta poco preocupado por encajar en el circuito de Nashville. Le interesa más tocar, aprender, colaborar y rodearse de músicos que estén a su altura. Su trayectoria está muy ligada a Tulsa y a una escena que ha sabido mantener viva una cultura musical de enorme riqueza. Johnny tiene técnica, imaginación, personalidad y, sobre todo, algo que se tiene o no se tiene: una alegría contagiosa por hacer música.
Es Países Bajos, tío. El mejor sitio de Europa para cualquier melómano y amante de la música de mente abierta que no creen que la música country sea para gente que se casa con sus primos, se ponen botas de cowboy o camisas western. Y es que año tras año, TakeRoot sigue siendo lo más parecido a Disneylandia para quienes sueñan con disfrutar y divertirse con lo mejor de la Americana.
No solo fue esta edición, sino que el futuro se presenta prometedor para la música de raíces norteamericana. El público bailó por todas partes en cada rincón del grandioso recinto de De Oosterpoort en Groningen durante más de 9 horas. El festival demuestra una vez más que la música americana despliega todo el espectro de la música de raíces más y menos moderna: desde lo más puro hasta lo más eléctrico, desde lo melancólico hasta lo bailable. Seis escenarios, veinticuatro actuaciones, estrellas internacionales, todo en una sola velada, en una ciudad tan atractiva como Groningen donde las distancias son cortas, la gente es abierta y el epicentro del festival se encuentra en pleno corazón de la ciudad. Durante el día, puedes pasear por pequeñas tiendas o tomar un café junto al canal y, a partir de cada primer fin de semana de noviembre, comienza una aventura musical en el TakeRoot Festival.
Texto por Javier Casamor y Carlos Pérez Báez. Fotos Carlos Pérez Báez, Javier Mcallan, Jorge Táus, José Manuel Casamor y Javier Casamor. Vídeos Carlos P. Báez.
Vídeo reproductor del TakeRoot Festival. Entrar en nuestro canal también para ver los “shorts” del festival.
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